POETA SILVÉRIO DUQUE

UM POEMA DE NATAL...

2011-12-22T16:07:00.000-02:00

Adoração dos Magos de Bernardo Cavallino (1647),
Óleo sobre madeira, 325X185 cm, Museo Nationale Capodimontti, Nápoles.

Amanhã, nasceremos para o novo:
Deus nos trará o Céu e toda a espera

separará do joio o incauto trigo
reinventará no fogo estranhas feras.

Amanhã, nasceremos como os lírios
entre o húmus do tempo e seus odores

entre a ausência, a saudade, o esquecimento
entre a sombra de tudo e estranhas flores.

Renascidos da dor que nos liberta
amanhã, rogaremos outras carnes

amanhã, pediremos novos rostos...
Mas, hoje, desejamos Teu silêncio

hoje, Senhor, só a morte desejamos
somente a Tua face enfim rogamos.

DICA DE LEITURA: "DIÁRIO FILOSÓFICO" DE CONSTANTIN NOICA*

2011-12-14T17:00:00.000-02:00

Autor: Constantin Noica
Tradução: Elpídio Mário Dantas Fonseca

Edição 01
Formato: 14 X 21 cm
Número de Páginas: 120
Acabamento: Brochura
ISBN: 978-85-8033-021-2
Lançamento: 2011

Constantin Noica é um dos maiores filósofos de todos os tempos. Este romeno, infelizmente, pouquíssimo conhecido e ainda menos estudado no Brasil, nos entrega o que promete em seu título, ou seja, um diário filosófico com aforismos e breves pensamentos, que raramente ultrapassam uma página, sobre os mais variados temas, tendo a Filosofia como eixo condutor de uma reflexão... E que Filosofia!!!!!

Com temas bastante recorrentes em toda a sua obra, como os símbolos cristãos do filho pródigo e do irmão do filho pródigo, a escola, as ciências liberais e exatas, e a pedagogia, Noica nos mostra que a escola era o mundo, onde vivia o filho pródigo, que aprendia com a realidade.

Crítico do ensino formal da filosofia, que, segundo ele, afastava o homem do mundo real, Noica nos mostra grande preocupação com o ensinar do que com o esclarecer. Por isso, as constatações de Noica são simples, muitas vezes simbólicas, mas que compactam a experiência do real com absoluta maestria.

Este livro, mais uma tradução magistral de meu amigo Elpídio Mário Dantas Fonseca e mais um grande lançamento que a Editora É proporciona aos amantes da boa leitura, é extremamente fácil de ler, mas que desperta nos leitores atentos, uma incrível vontade de meditar sobre o que ele está falando. Um livro para quem se preocupa com a saúde do espírito e com a sua existência dentro de ordem maior, a fim de ter uma vida rica e de contato com o mundo.

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“A filosofia não é possível senão na cidade, entre homens, naqueles mercados de que não se desgrudava Sócrates. Ela lhe dá o único encontro com o outro. Você põe andar sobre andar, suprime os jardins (ou deixa, quando muito, estes jardins públicos convencionais) – e algures, perto de uma escada de serviço, vai nascer um filósofo.”

“O erro de Narciso não é o de ocupar-se consigo. É o de ocupar-se de certa maneira consigo. O narcisismo é uma maldição apenas para os que, vendo, querem fixar a própria imagem; para permanecerem nela mesma, porque são perfeitos. O erro de Narciso é o de ser perfeito. É sua única imperfeição. (Será que plagio Gide?)”

“Assim Abel como Caim levam sacrifício. Mas para o sacrifício de Abel, Deus olha com prazer, mas para o sacrifício de Caim, não.”

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Constantin Noica (Trechos do Diário Filosófico)

*Constantin Noica (Vităneşti-Teleorman, 12/25 de julho de 1909 – Sibiu, 4 de dezembro de 1987). Estreou na revista Vlăstarul [O Renovo], em 1927, como aluno do liceu bucarestino “Spiru Haret”. Estudou na Faculdade de Letras e Filosofia de Bucareste (1928-1931), formando-se com a tese de licenciatura Problema Lucrului în Sine la Kant [Problema da Coisa em Si em Kant]. Foi bibliotecário no Seminário de História e Filosofia e membro da Associação “Criterion” (1932-1934). Depois de fazer estudos especializados na França (1938-1939), fez o doutorado em Filosofia, em Bucareste, com a tese Schiţă pentru Istoria lui Cum e cu Putinţă Ceva Nou [Um Esboço para a História de Como é Possível Algo Novo], publicada em 1940.] Foi relator de Filosofia nos quadros do Instituto Romeno-Alemão de Berlim (1941-1944). Concomitantemente editou, juntamente com C. Floru e M. Vulcănescu, quatro dos cursos universitários de Nae Ionescu e o anuário Isvoare de Filosofie [Fontes de Filosofia] (1942-1943). Teve domicílio forçado em Câmpulung-Muscel (1949-1958) e foi detento político (1958-1964). Trabalhou como pesquisador no Centro de Lógica da Academia Romena (1965-1975). Os últimos doze anos, passou-os em Păltiniş, sendo enterrado no pequeno mosteiro próximo. Seus estudos distribuíram-se em todos os campos filosóficos, notadamente epistemologia, filosofia da cultura, axiologia, antropologia filosófica, ontologia e lógica.

"COBRA DE DUAS CABEÇAS": A POESIA E A PROSA INÉDITAS DE SOSÍGENES COSTA...

2011-12-11T11:16:00.002-02:00

A Editora Mondrongo – editora do Teatro Popular de Ilhéus – tem a honra de lhes apresentar Cobra de duas cabeças, livro de Herculano Assis, que traz poesia e prosa inéditas de Sosígenes Costa.

Segundo o professor e ensaísta Jorge de Souza Araújo: Cobra de duas cabeças resulta “da amorosa pesquisa e justificado penhor, caros à memória de um poeta de excelência, aqui observado como pensador e crítico notabilizado por uma verrina que, de tão surpreendente, constitui-se mais ainda afeta à literatura baiana e brasileira”. Já o poeta Heitor Brasileiro Filho acredita que “os textos reunidos, particularmente a prosa, desmistificam a imagem quase sempre contemplativa, compenetrada, e até sisuda do poeta. O que aparenta pouco para um autor da literatura brasileira, no caso específico de SC é muito significativo porque ajuda a compor um complexo mosaico. Traços de uma personalidade mitificada, exatamente, por ausência de informações precisas sobre sua vida e seu pensamento ‘objetivo’”.

O lançamento de Cobra de duas cabeças será no próximo sábado, dia 17, às 19 horas, em Belmonte, cidade natal do poeta. Também, no dia 17, o site da editora entrará no ar, através do qual se poderá adquirir essa e outras obras da editora. O endereço virtual será: www.mondrongo.com.br

PE. JOSÉ MAURÍCIO NUNES GARCIA: UM GÊNIO ESQUECIDO E INDOMÁVEL

2011-12-08T21:08:00.001-02:00

O padre José Maurício Nunes Garcia (Rio de Janeiro, 22 de setembro de 1767 – 18 de abril de 1830)

em comemoração ao bicentenário

da Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811)

Neste fim de ano de 2011, chamo a atenção de ti, caro leitor, para um aniversário... mas não o de uma pessoa, ou de um poeta – o que nesse nosso contexto seria bem adequado; aliás, este ano, podemos assim dizer, “comemoramos” os trezentos anos da morte de Botelho de Oliveira e o centenário de morte de nosso querido parnasiano, Raimundo Correa: é de uma obra que eu quero lembrar, mais necessariamente dos 200 anos da Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811), do Pe. José Maurício Nunes Garcia, um dos maiores nomes da história de nossa música e também um dos mais esquecidos.

Filho de Apolinário Nunes Garcia e Victória Maria da Cruz, uma escrava, José Maurício muito cedo revelou seu incrível talento para a música, compondo, aos 16 anos sua primeira obra, uma antífona para a Catedral e Sé do Rio de Janeiro: Tota pulcra es Maria, em 1783. Talento que, ao lado de suas convicções religiosas, será sua principal arma contra os principais inimigos que terá por quase toda a sua vida profissional: a falta de recursos técnicos, o preconceito e o corporativismo de invejosos que não aceitavam um homem de cor e quase autodidata no comando da Capela Real e na apreciação do rei D. João VI... os gênios também têm as suas cruzes. O empobrecimento da vida cultural após o retorno de D. João VI para Portugal, e a crise financeira depois da Independência do Brasil, em 1822, causaram uma diminuição da atividade de Nunes Garcia, agravada pelas más condições de saúde do compositor. Em 1826, compôs sua última obra, a Missa de Santa Cecília, para a irmandade de mesmo nome. Morreu em 18 de abril de 1830 e apesar de ser padre, teve cinco filhos, dos quais reconheceu um.

O José Maurício viveu e atuou numa época bastante conturbada para a história brasileira. O Rio de Janeiro, pouco antes da chegada da corte portuguesa, culturalmente em nada se distinguia da exigüidade dos demais grandes centros nacionais. Entretanto, presença da Família Real, na, então, capitão da colônia, mudou esta situação radicalmente, atraindo as totais atenções e passando a ser o centro de irradiação de estéticas novas, nomeadamente o neoclassicismo, com o abandono da tradição barroca que, até então, continuava a exercer grande influência em todo país, daí da pra se medir o tamanho do atraso no qual vivi o Rio de janeiro e todo País àquela época. É certo que esta tradição ancestral não feneceu imediatamente, mas, dali em diante, o patrocínio oficial à vertente neoclássica foi o golpe mortal nela infligido, e do Rio irradiou-se uma visão diferente que, aos poucos, dominaria em todo o território.

José Maurício tinha luzes surpreendentes para alguém de sua origem e condição social. Pobre, mulato, perdendo o pai cedo e sendo educado com grande dificuldade, até hoje não se sabe exatamente como conseguiu adquirir a cultura que seus primeiros biógrafos reiteradamente alegam ter-lhe pertencido. Seu progresso na Igreja foi muito rápido, a ponto de ser dispensado de formalidades e pré-requisitos, onde a ascendência de sangue escravo era um estorvo considerável para uma carreira eclesiástica e mesmo mundana bem sucedida naquela sociedade escravocrata e preconceituosa. Mais tarde foi indicado Pregador Régio da Capela Real, e o bispo seu superior declarou que ele era um dos mais ilustrados sacerdotes de sua diocese.

Antes do período cortesão suas composições se ressentem à escassez de recursos humanos e técnicos do ambiente que beiravam a uma verdadeira miséria técnica e humana; diversas peças suas traem a indisponibilidade de instrumentistas, forçando-o a “adotar” soluções fora da ortodoxia como acompanhamentos reduzidos ao órgão, ou às madeiras. Durante bom tempo as aulas de teoria e prática musical que ministrava tinham de ser realizadas apenas com a viola de arame, não podendo contar sequer com um cravo ou pianoforte. Entretanto, quando indicado a Mestre de Capela da corte teve acesso à importante biblioteca musical da Casa de Bragança que Dom João VI trouxe consigo, contribuindo para sua instrução geral, para uma maior variedade de gêneros musicais trabalhados e para o conhecimento da obra de grandes mestres europeus como Mozart e Haydn, que terão prufunda influencia em sua vida e obra, e doas quais me arisco em dizer que se aproximava em talento e missão. Os muitos músicos e cantores altamente qualificados contratados pelo rei em sua chegada, que formaram uma orquestra considerada por todos os conhecedores e os viajantes estrangeiros como uma das melhores do mundo em seu tempo, possibilitaram que aprofundasse sua técnica de instrumentação e escrita vocal.

Seu declínio se acentuou com a partida de Dom João e com o vazio que isso produziu na cena musical carioca. Seu sucessor Dom Pedro I, apesar de amante da música e simpático ao padre, não pôde manter a pensão do compositor, e ele teve de fechar sua escola. Um de seus filhos, escrevendo sobre o pai nesta fase de obscurecimento, fala de sua frustração, de um envelhecimento precoce e de doenças crônicas que perturbaram sua produção e paz de espírito.

A apreciação contemporânea o considera o maior compositor brasileiro de seu tempo, mas critica suas concessões aos modismos que não encontravam eco verdadeiro em sua natureza, e certa contenção excessiva em sua escrita, que nunca mostra rasgos mais audazes ou experimentalismos. Sua produção conhecida chega a cerca de 240 obras, muitas delas redescobertas ou restauradas em meados do século XX por Cleofe Person de Mattos, musicóloga que teve papel fundamental na revalorização da música do período colonial brasileiro.

***

Hoje em dia suas composições voltaram às salas de concertos e recitais em igrejas, já tendo diversas delas gravadas e publicadas... E dessas composições a que mais me encanta e a que escolhi para cpomentar rapidamente, por motivo de seu bicentenário é a A Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811).

Se parares um pouco para refletir, caro leitor, há certa utilização de um cantus-firmus, que confere às missas renascentistas uma forte e identificável unidade, construída, em certos trechos das composições, sob o princípio da imitação; e isso se verificará, inclusive nos séculos seguintes, nos séculos seguintes... Sobre um ponto de vista diferente, a busca dessa unidade por compositores que empregaram o mesmo motivo, com ou sem variações, não terá o mesmo espírito imitativo, nem o mesmos traços do cantus-firmus, criando-se, assim, uma linguagem diferente e nova. Compositores como Galuppi, que no século XVIII escreveram missas com semelhante unidade cíclica, aplicaram-se em formações vocais e instrumentais reduzidas, cujas melodias eram, freqüentemente, retiradas de cânticos folclóricos e populares, chamaram-nas de missae rurales e missae pastoritae. A Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811), do Pe. José Maurício não foge à regra, pois repete, mas numa linguagem um pouco mais diversa, meio século mais tarde, tal procedimento, num Rio de Janeiro colonial que acabara de imergir como sede do Império Português.

A primeira versão da Missa fora composta em 1808 apenas para vozes e órgão. O nível do conjunto instrumental, na época da criação da Real Capela certamente desestimulou D. João VI que chegara ao Brasil àquele ano. Posteriormente orquestrada (1811), a missa do Pe. José Maurício pode finalmente se dar ao propósito para a qual fora composta, bem como a quase toda à sua obra musical, que é o de acompanhar a liturgia natalina com o seu canto tranqüilo, de caráter pastoral, recolhido, mas sem se negar à obstinação.

Embora moderada, face às poucas possibilidades técnicas de sua época incluindo a de seus novos cantores, as dificuldades dos solos que permeiam a Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811) não seriam trechos adequados aos velhos cantores que em 1808 transferiram-se da velha Catedral da Sé para a Real Capela. Com a necessária reserva, conclui-se então que a partitura autógrafa de sua Missa reúne elementos das duas versões: de um lado, as partes corais caracterizando a posição do compositor ante seus habituais interpretes – em sua maioria vozes infantis e falsetistas – que até 1808 formavam o quadro de músicos disponíveis na antiga Catedral, e, do outro, os solos destinados aos novos cantores da Capela Real, chegados ao Rio de Janeiro, em 1809, e dotados de vozes capazes de destacar a genialidade e o virtuosismo comum à escritura vocal do Pe. José Maurício Nunes Garcia.

A Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811), ocupa posição singular entre as muitas obras do Pe. José Maurício Nunes Garcia, pelo caráter peculiar e por certos desvios dos padrões convencionais de composição, coisa que não escapa aos sentidos das demais obras do autor. Do ponto de vista de sua estrutura, a Missa Pastoril para a Noite de Natal (1811) ela até que se enquadra ao modus operandi de seu compositor: textos desdobrados, em partes solísticas sistematicamente, pela repetição freqüente dos mesmos textos. Todavia, quanto à contenção melódica, transforma-se com desdobramento com vários picos de brilho e virtuosismo. Seu caráter natalino, e um tanto que simplório, não lhe propiciará uma envergadura criativa comparável às grandes missas que o Pe. José Maurício comporá no futuro, mas lhe sobra em beleza o que lhe falta de sofisticação, às vezes... A economia extrema dos motivos empregados, bem como a repetição inflexível da mesma temática fez dessa Missa uma composição de certa pobreza técnica, mas “elaborada” no sentido de lhe conferir uma riqueza de outro tipo: ser uma composição da mais pura e verdadeira devoção ao Cristianismo e seu sentido.

Nessa estrutura marcada pela uniformidade a diversificação de elementos fica por conta dos solos, entre os quais destaco o Qui sedes, para soprano solista e três baixos concertantes, e o Et Incarnatus, para duo de sopranos clarinete e cordas: ambas representam e conservam muito bem os aspectos singelos, por assim dizer, desta obra. Contrapondo-se à simplicidade vocal outro tipo de manifestação simplória e, ao mesmo tempo de particular beleza, é o motivo do clarinete – algo, particularmente, muito especial para mim – exposto desde o início da obra, e guiando-a muitas vezes daí então, como um leit-motif de graça e ingenuidade, que com o seu caráter pastoril, complementa com adequação o específico ambiente desta obra, como bem o quisera o Pe. José Maurício.

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Os links abaixo trazem breves exemplos – Viva à Internet – desta que é uma das obras mais significativas da cultura brasileira e que demonstram a grandiosidade de um gênio ainda um pouco esquecido... mas, indomável.

http://www.youtube.com/watch?v=9zXQfrFXYIs&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=D7UXmV0oztk

http://www.youtube.com/watch?v=0_E6zM0Pqpk&feature=related

LANÇAMENTO "DICTA&CONTRADICTA" - Nº 8... TRÊS POEMAS DE SILVÉRIO DUQUE...

2011-12-07T17:41:00.001-02:00

A Dicta&Contradicta é uma revista semestral lançada em 10 de junho de 2008 em São Paulo, pelo Instituto de Formação e Educação (IFE).

Reúne artigos e resenhas de intelectuais brasileiros e estrangeiros sobre os grandes temas da cultura ocidental: a ética, a filosofia, a literatura e as artes, sob uma perspectiva de longo prazo, desvinculada da política partidária e com uma vocação, na medida do possível, universal.

Com isso, a revista – com uma mentalidade acadêmica, mas sem academicismos – procura atender a uma demanda do mercado por textos de maior transcendência e profundidade.

A Dicta&Contradicta traz um editorial – que expressa a opinião do Instituto de Formação e Educação –, uma seção de artigos principais, uma seção destinada a textos traduzidos de autores estrangeiros, um perfil de um intelectual ou artista, uma seção de filosofia e uma de literatura.

Além disso, há uma seção destinada à análise de poemas, intitulada Anatomia do Poema, um poema e um conto inédito, além de artigos breves sobre música, artes plásticas e cinema. Livros, destina-se às resenhas de livros nacionais e estrangeiros, e O lançamento que não houve a uma obra importante ainda não lançada no Brasil ou carente de maior visibilidade.

A revista fecha com Gênesis, um texto clássico de domínio público ainda não traduzido no Brasil, e com uma seção de humor.

A revista tem, como colaboradores, nomes como o de Antonio Fernando Borges, Bruno Tolentino, Carlos Felipe Moisés, Dionísius Amêndola Valença, Érico Nogueira, Fernando Henrique Cardoso, Ivo Barroso, Jessé de Almeida Primo, Luiz Felipe Pondé, Marcelo Consentino, Marcelo Ferlin Assami, Maria Cecília L. Gomes dos Reis, Nelson Ascher, Olavo de Carvalho, Pedro Sette Câmara...

O lançamento do 8ª número de Dicta&Contradicta realizar-se-á na Mercearia São Pedro (R. Rodésia, 34, Vila Madalena, São Paulo) a ser realizada na noite de segunda-feira 12/12, das 19h30... até “a saída do último arroz de festa”.

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Segue o índice desta nova edição; aproveitem e dêem uma olhada na seção Poesia (rsrsrs):

ÍNDICE

O QUE HÁ DE NOVO NA IDADE MÉDIA?
Olivier Boulnois

DROGAS: A SÍNDROME DA MENTIRA
Anthony Daniels

ESPECULAÇÕES SOBRE ALEGORIA E SÍMBOLO
Henrique Elfes

PERFIL

KIERKEGAARD, O PENSADOR INCÔMODO
Álvaro L.M. Valls

FELIZ NOVA DIETA
Julio Lemos

FILOSOFIA

OS MECANISMOS DA MELANCOLIA
MartimVasquesda Cunha

LITERATURA, FICÇÃO E REALIDADE
Nicolau Rocha Cavalcanti

SOCIEDADE

SÍRIA EM TRANSE
Plínio Gomes

TEOLOGIA

VIAGEM RUMO AO MUNDO
Marcelo Consentino

LITERATURA

IMAGINAÇÃO, TEMOR E TREMORES
Rodrigo Duarte Garcia

AS FACES DO ATEÍSMO
EM OS IRMÃOS KARAMÁZOV
Renato José de Moraes

DAVID FOSTER WALLACE E THE PALE KING
Julio Lemos

TEATRO

TOM STOPPARD: TEATRO ACESSÍVEL
A VENDEDORAS COM CURSO SUPERIOR
Pedro Sette-Câmara

POEMAS

TRÊS POEMAS
Silvério Duque

POEMA TRADUZIDO

ALGUMA POESIA DE DURS GRÜNBEIN
Tradução de Érico Nogueira

GÊNESIS

PÓS-ESCRITO CONCLUSIVO NÃO CIENTÍFICO ÀS MIGALHAS FILOSÓFICAS
S. Kierkegaard

CONTO

EVOLUÇÕES
MoemaVilela

CONTO TRADUZIDO

2 B R O 2 B
Kurt Vonnegut, Jr.

MÚSICA

APRÈS UNE LECTURE DU DANTE
(FANTASIA QUASI SONATA): UMA VISÃO
MUSICAL DA MORTE
Alvaro Siviero

CINEMA

OS DÓLARES DE LEONE
Joel Pinheiroda Fonseca

ANATOMIA DO POEMA
Jessé de Almeida Primo

RESENHAS

OBRAS DE EMIL CIORAN
Rodrigo Gurgel

C., TOM MCCARTHY. LA CARTE ET LE TERRITOIRE
MICHEL HOUELLEBECQ
Vinícius Castro

BOURGEOIS DIGNITY, DEIRDRE MCCLOSKEY
Renato Lima

A CASA DA SABEDORIA, JONATHAN LYONS
Joel Pinheiro da Fonseca

THE CONSPIRATOR
Ricardo Gross

SONS OF ANARCHY
Lucas Mafaldo

DEUS, PÁTRIA E FAMÍLIA, B FACHADA
Nuno Costa Santos

O LANÇAMENTO QUE NÃO HOUVE

SHAME AND NECESSITY, BERNARD WILLIAMS
Eduardo Pohlmann

HUMOR

NOVO TOLICIONÁRIO DA LÍNGUA PORTUGUESA
RuyGoiaba

POEMA SOBRE OS SEIOS DA MULHER AMADA...

2011-11-24T17:48:00.000-02:00

Femme assise dans un fauteuil de Pablo Picasso (1916), óleo sobre tela, 120cmX85; coleção particular.

Somente aqui eu deixarei meus versos

e os vestígios que o tempo traz à luz

gestos, carnes, desejos, rastros... eis

o meu poema inteiro de memórias

pois é chegado o tempo dos retornos

das coisas que colhi entre os escombros:

a ordem, a mesa posta, o arar do campo

as formas luminosas da existência

o vaso que se esconde em todo barro

este mover de tudo, o musgo, os muros

a terra, a sombra e o sopro em meio às cinzas...

Como quem redescobre antigas chagas

neste poema há todos os meus passos

e entre os teus braços mais que a minha vida.

A OFICINA DE CRIAÇÃO ARTÍSTICA (OCA) REALIZA EXPOSIÇÃO NO CENTRO DE CULTURA AMÉLIO AMORIM, EM FEIRA DE SANTANA...

2011-11-23T12:51:00.000-02:00

A direção do Centro Universitário de Cultura e Arte de Feira de Santana (CUCA) informa que amanhã, dia 24 de novembro, acontecerá a abertura da Exposição 2011, promovida pela OCA – Oficina de Criação Artística – como resultado de suas oficinas, com apresentação de um catálogo, resultado da seleção das melhores obras elaboradas pelos seus alunos durante o segundo semestre deste ano.

A publicação da seleção denominada Prêmio Catálogo e que contou com a colaboração dos artistas Nanja, Márcio Junqueira e Silvio Portugal na seleção dos trabalhos, apresenta os alunos premiados e atribui menção honrosa àqueles que se destacaram. Além da publicação, será oferecida uma bolsa de estudos em qualquer das oficinas da OCA (Cerâmica, Fotografia, Produção em Vídeo, e Arte para Criança).

A exposição estará à disposição do público até o dia 15 de dezembro, no Foyer do Centro de Cultura Amélio Amorim.

HENRIQUE WAGNER EM ENTREVISTA CONCEDIDA A HILTON VALERIANO PARA O BLOG “POESIA DIVERSA”, EM 18 DE NOVEMBRO DE 2011:

2011-11-18T19:49:00.003-02:00

Henrique Wagner é baiano de Salvador, onde reside. Nascido no dia 16 de maio de 1977, é poeta, contista, ensaísta e crítico de cinema. Colaborou com os jornais A TARDE, Correio Brasiliense, Rascunho, entre outros. Publicou os livros de poemas O grande pássaro e As horas do mundo, e o livro de ensaio A linguagem como estética do pensamento.

Vivemos em tempos difíceis, inclusive para a literatura, por quenão!?; e, cada dia que passa, o mundo todo parece ignorar cada vez mais as razões para se viver e apenas aceitam uma vida de pretextos, esquecendo-se de que a civilização é, antes de tudo, "vontade de convivência"... como diria o bom e velho Ortega y Gasset. Em épocas como esta, de agitação conturbada e contrastante – barroquismo de niilistas –, o dever de um intelectual seria qual? Manter-se calado, sem dúvidas. Nessas ocasiões, saiba, é melhor calar-se, mesmo tendo algo a dizer; seria preciso mentir, com certeza; mas o intelectual não tem esse direito. O intelectual não pode mentir. Daí o seu dever, a sua missão... e o poeta e crítico literário, Henrique Wagner cumpre-a com alegria e afinco, como podemos ver nesta incisiva entrevista que ele concede a Hilton Valeriano.

Silvério duque

1) Como ocorreu seu contato inicial com a poesia?

Resposta: Creio que esse contato inicial com a poesia se deu mais cedo do que imaginei, por muito tempo, ao longo de minha vida, e por um caminho aparentemente sem muita relação com a arte das palavras. Deu-se pelo silêncio. É que sempre fui um garoto extremamente tímido, do tipo que filava os dias e as aulas, e freqüentava a vida apenas nas tardes de quarta ou quinta-feira, quando me isolava na laje da imensa casa de meus pais, para desenhar histórias em quadrinhos. Depois do silêncio veio a letra de música traduzida. Eu era assinante da revista Bizz, e vivia lendo as letras enquanto ouvia as bandas mais famosas do rock and roll americano. Tanto que meu primeiro “poema” parece a letra traduzida de uma canção americana, e eu até uso palavras do tipo “baby”, “garota”, e frases descritivas, cruas, tipicamente americanas. Eu tinha mais ou menos treze anos de idade, à época. Com o fim do meu primeiro namoro sério, escrevi, quase convulso, um texto desesperado, diretamente na máquina de datilografar – uma Remington portátil –, apinhado de erros de digitação que davam ao “poema” a aparência de um poema tipográfico mallarmeniano. Seguiu-se a essa experiência um longo feriado lírico, no qual vivi tormentas de toda ordem e muitos namoros, uma vida intensa ao lado de mulheres fortes que me ensinaram muito sobre poesia, na medida em que a mulher é de uma profundidade equivalente à mãe das artes. Retomei a poesia em forma de poemas aos dezoito ou dezenove anos, depois de sentir o desejo de ler poemas e não mais as letras traduzidas citadas acima. O que mais pode influenciar um poeta é outro poeta, e não a vida, como gostam alguns. E não afirmo que se trata de escrever imitando alguém, mas de fazer uso de uma mimese pouco aristotélica, pouco grega, que diz mais sobre o poder que tem a arte de incitar a arte, como uma espécie de parceria ou relação amistosa entre gêmeos. Um bom poeta é um digest, e certamente fez uso de outro poeta e outras leituras para a composição de sua obra, de modo a transmitir sua mensagem, séculos a fio, usando seu ethos transusbstanciado, um misto de natureza e cultura, vida e livros.

2) Como você vê a cena poética atual no Brasil?

Resposta: Quase não vejo, porque tenho me ocupado mais com prosa e dramaturgia, há alguns anos. E porque, também, quando leio poesia, ultimamente, busco um lugar seguro, leio os poetas que gosto ou que sei fazerem parte de uma linhagem que participa de minha orientação literária. Acresce ainda o fato de que jamais houve tanta poesia exposta no mundo, em função da internet, com seus tantos blogs repletos de poemas – em geral bilhetes suicidas e cartas de amor. De todo modo, preciso dizer que a poesia brasileira, a partir do pouco que li de poetas contemporâneos, vai muito mal. Vive-se ainda o restolho da poesia concreta, que, se já não era lá grande coisa, imagina em seus resíduos. Por outro lado, há aqueles que insistem em fazer poesia regional nordestina, tentando a sorte de um Cabral de Melo Neto. Há ainda a turma que anda fazendo uma poesia mais formal, numa retomada à geração de 45. E por fim, há a poesia “fácil” de uma turma sempre justificada por seu lirismo – nessa turma se encaixa perfeitamente o caso do poeta baiano Ruy Espinheira Filho, com sua mania de lembrança e seus poemas mornos, sem qualquer “susto” ou arrebatamento. Dos autores vivos mais velhos gosto muito de Alberto da Costa e Silva, Ledo Ivo – sempre esquecido por quem gosta de fazer afirmações bombásticas do tipo “o maior poeta vivo do Brasil, e sempre esbarram em Ferreira Gullar e Manoel de Barros; Ledo Vivo, ousaria o trocadilho, pedindo desculpas pelo fácil expediente –, Paulo Bomfim e o não tão velho Nelson Ascher. Gostaria de poder citar o Bruno Tolentino, encaixá-lo no time dos grandes poetas vivos brasileiros. Infelizmente, o secularismo não me permite tamanha metafísica. Pensando nos mais jovens, gosto do Alexei Bueno, algumas coisas do Ivan Junqueira, mais conhecido por seus ensaios e traduções do francês, e Rodrigo Petrônio, vencedor de alguns prêmios de poesia respeitados, autor de poemas com um elevado senso de forma e consideração pelo conteúdo. Recentemente o amigo Raimundo Bernardes, poeta, ensaísta e tradutor baiano, me apresentou a dois poetas interessantíssimos: Érico Nogueira e Marcos Catalão. Ainda estou em fase de leitura da obra desses dois nomes. Mas já é possível perceber que são talentosos e originais, pelo que li até o momento. Infelizmente, depois de toda uma tradição de bons poetas, a Bahia de Gregório, Castro Alves, Junqueira Freire, Arthur de Salles, Sosígenes Costa, dentre outros, vem produzindo poesia de péssima qualidade. Aposto, atualmente, na poesia séria, consistente e sem firulas do Silvério Duque, com seus sonetos maduros quanto aos temas escolhidos e quanto à reserva feita a fórmulas fáceis. Há o que se trabalhar, ainda, mas penso que Silvério vem construindo uma poesia que nos prepara para uma grande obra, mais cedo ou mais tarde. E há a poeta Fabrícia Miranda, que faz uma poesia com profundo conhecimento do idioma e da complexidade da condição humana, escrevendo poemas marcados pela excelência em conduzir o leitor, por meios os mais sofisticados, ao cerne das grandes questões humanas, sempre com uma linguagem muito elegante, refinadíssima. Seus poemas inéditos, alguns postados em seu blog, são impactantes pelos temas e pelo trato dado aos temas. Quero ainda voltar ao amigo Raimundo Bernardes. Esse jovem poeta e intelectual está por trás da produção poética de quase todos os jovens poetas com alguma qualidade, na Bahia e fora da Bahia. Ele vem funcionando como um mentor para diversos autores, que, de forma ingrata, não dão os devidos créditos. Sempre que houver um poeta baiano escrevendo bem, acredite, há a mão de Raimundo Bernardes na construção do pensamento e da poética desse autor. Raimundo é muito generoso com os iniciantes, e trabalha na coxia, sem alardes. Mas é preciso lembrar que Raimundo não é milagreiro: ele faz o que pode, e pode muito, e se a poesia baiana vai mal, provavelmente é porque não tem a disciplina necessária para ser um epígono do amigo supracitado. Em tempos de preguiça, decorrente das facilidades e da pouca leitura invectivadas pelo mundo virtual, não há qualquer surpresa quanto a isso.

3) Como você vê a relação entre tradição poética e movimentos de vanguarda? É possível o diálogo entre a tradição e as vanguardas, ou uma poesia de invenção deve ser necessariamente uma poesia de ruptura?

Resposta: O diálogo é feito de perguntas e respostas, não? Pois bem, a vanguarda é a pergunta. Destarte, digo que o diálogo entre a tradição e as vanguardas não só é possível como existente, desde a Antologia Grega e as sátiras de Horácio. Uma poesia de invenção é, antes de qualquer coisa, uma poesia de qualidade. Com ou sem ruptura. Não vejo qualquer problema em inventar a roda, desde que se faça alguma contribuição à evolução da roda. É possível torná-la menos circular, por exemplo. O Borges poeta é um grande exemplo de autor entre a tradição e a vanguarda, que “deu certo”. Mas que vanguarda? Aquela que ousa inovar dentro da tradição. Isso, para mim, é mais louvável – e mais difícil, embora a dificuldade não seja um critério válido para mim – que um poema visual, que atesta a insuficiência da palavra escrita, por imperícia do poeta visual, não da poesia. Borges descobriu um modo de fazer poesia original porque investiu no passado, aumentando-o para os tempos modernos. Borges voltou à origem, e parece ter começado tudo de novo a fim de construir sua teogonia e sua odisséia. E o resultado é uma poesia de Borges, mais ninguém.

4) Parece existir um preconceito proporcionado por posturas pseudo-vanguardistas em relação à poesia que se pratica no Nordeste, sobretudo no eixo Sudeste-Sul. Muitos poetas de grande talento são totalmente ou propositalmente ignorados em outras regiões do país. Estaríamos diante de uma espécie de monopólio cultural (revistas, jornais, editoras, prêmios literários) cuja principal característica seria a recusa de qualquer poesia com os pés na tradição, ou seja, a aceitação de uma poesia que somente apresentasse um viés “inovador”?

Resposta: Não gosto muito de reclamar leitores. Há muito o que fazer na vida. Ler poesia é apenas uma das atividades humanas, e não acho que seja a mais prazerosa, aliás. O Nordeste já deu muita literatura – e muita arte, de um modo geral –, e acredito que está cansado, esgotou-se, assim como os leitores cansaram de tanta produção nordestina. Os grandes poetas ignorados pelo eixo Sudeste-Sul são verdadeiras lendas em suas aldeias. E uma aldeia fica. Muito mais que um exemplar da revista Cult. O monopólio cultural não existe apenas no eixo Sudeste-Sul. Existe no Nordeste também, que recusa a poesia “moderninha” dos filhos de Leminski e netos de Oswald de Andrade. Infelizmente o Nordeste não tem a força midiática que o eixo já citado aqui, tem. Mas isso não é resultado de uma política literária, mas de uma política “agrária” que envolve questões muito mais urgentes que literatura.

5) Como você vê a importância dos movimentos Modernista de 22, e do Concretismo para o desenvolvimento da poesia brasileira?

Resposta: Para mim foram movimentos de suma importância para tornar clara a supremacia, quanto à qualidade literária, da literatura feita depois desses dois movimentos. Todo modernismo tem, como obrigação, ser relativista, ainda que pareça, sempre, intolerante, radical etc. O relativismo se dá porque, enquanto o modernismo acontece, milhões de voltas ao mundo em 80 dias vão acontecendo. A necessidade de criar um manifesto, um panfleto, é tão grande, que esquecem de fazer arte, e uma arte que ponha em prática a teoria, que seja fiel às idéias propaladas muito mais por vontade de entrar para a história como inventor de uma tendência do que para criar, de fato, uma ruptura necessária. Aliás, alguns autores apontam para a infidelidade de Oswald de Andrade em relação a suas idéias, seus manifestos, seus panfletos. Dentre esses autores estão dois poetas respeitáveis: Ferreira Gullar e o extinto Bruno Tolentino. Em suma, esses movimentos foram importantes para o desenvolvimento da poesia brasileira porque mostraram algumas ruas inóspitas e becos sem saída. Mostraram ao autor brasileiro o que não se deve cultivar, por falta de consistência dos objetivos e das supostas teorias. A poesia brasileira, depois desses movimentos, voltou a estacar impávida.

6) O crítico literário Antonio Candido afirmou que todo país possuiria um representante máximo de sua literatura, um escritor que encarnasse a identidade cultural de seu país, sobretudo no âmbito da linguagem, e citou como exemplos nomes como Cervantes na Espanha, Goethe na Alemanha, Dante na Itália, Borges na Argentina, Camões em Portugal. O mesmo crítico afirmou que o Brasil não possuiria essa figura máxima em sua literatura. Talvez dois nomes: Guimarães Rosa e Machado de Assis. Qual a sua opinião sobre essa questão? O que pensar de um nome como o padre Antonio Vieira?

Resposta: Antonio Candido precisa lembrar, e não é tarde ainda, que o Brasil tem apenas 500 anos de zumbi. Não há tradição com quinhentos anos de vida, se pensarmos no hinduísmo, por exemplo, e ainda no velho continente, a Europa, que é uma invenção dos gregos, aliás. O poeta Hesíodo foi o primeiro a empregar esse nome, e o célebre Heródoto, o “pai da História”, no século V a.C., escreveu: “Quanto à Europa, parece que não se sabe de onde veio seu nome e nem quem o deu”. Sabe-se ainda um pouco da lenda: uma princesa chamada Europa, filha do rei Agenor, é raptada por um touro gentil, mas voluntarioso. Ele a levou para uma grande ilha grega, Creta. O touro uniu-se à princesa, tornando-a “mãe de nobres filhos”. Mas há o exemplo de Borges na Argentina, usado pelo famoso crítico literário e sociólogo brasileiro. Acontece que a Argentina é uma Nova Europa, assim como houve e há a Nova Inglaterra nos Estados Unidos da Hawthorne, com a sua letra escarlate. Acredito em Machado de Assis, sem qualquer hesitação, como figura máxima da literatura feita no Brasil até o momento. Mas outros virão, embora os prognósticos não sejam favoráveis. Quanto ao padre Antonio Vieira, há que pensar em seus lusitanismos – afastando-o, portanto, do posto de representante máximo brasileiro –, e na imensa parte de sua obra voltada para uma função social, porquanto religiosa em terra de índios, que diminui consideravelmente o valor artístico necessário a todo autor que se queira representante de uma literatura, em qualquer país.

http://poesiadiversidade.blogspot.com/2011/11/entrevista-com-o-poeta-e-critico.html

"RÚBIDA ROSA EM PROSA E (IN)VERSO"... LANÇAMENTO DO LIVRO DE ERILAINE PEREZ

2011-11-18T12:17:00.000-02:00

A poetisa Erilaine Perez da Silveira, autora do livro Rúbida Rosa em prosa e (in)verso...

Rúbida Rosa..., de Erilaine Perez – Qualygraf Editora; Santiago, 2011.

“Rúbida Rosa é a mais recente enunciação literária da assim conhecida “Terra dos Poetas” (Santiago-RS), cuja missão literária não é menos que despertar o encantamento em seu público leitor.

Dois aspectos de sua macroestrutura formal e conteudística afiançam a fruição estética, o grau mais elevado de leitura: a concisão e a originalidade.

O livro reúne crônicas, microcontos – em Rosa Rúbida em prosa – e poemas – em Rúbida Rosa (in)verso. Segundo a autora, esses gêneros discursivos, todavia, amalgamam-se, ora sobre o eixo da contigüidade, ora sobre o eixo da seleção. O lançamento do livro Rúbida Rosa... ocorrerá na 13ª Feira do Livro de Santiago-RS, pela Qualygraf Editora.

Evento: Lançamento do livro: Rúbida Rosa em prosa e (in)verso de Erilaine Perez

Local: 13ª Feira do Livro de Santiago (Praça Moysés Vianna, Santigo-RS.)

Horário: 19h30

avesso

o vento voa

vozes e

tempo

de fora

pra dentro

o vento vira

avesso

a cortina

de dentro

pra fora

o vento voa

o vento voz

o vento (v)

o tempo

PEDRO VIANNA: POÈMES DE MOI...

2011-11-16T15:43:00.002-02:00

A pele de Esaú de Gabriel Ferreira (2010):

Acrílico e fios de algodão sobre tela – 250 x 250 cm –

Coleção particular.

JÁ TIVE A OPORTUNIDADE DE, AQUI, FALAR A RESPEITO DO TRABALHO DE PEDRO VIANNA.

TRABALHO LOUVÁVEL, PRINCIPALMENTE PELA VALORIZAÇÃO DE MUITOS POETAS (NOVOS E VETERANOS) DE NOSSO QUERIDO BRASIL, PRINCIPALMENTE OS DA BAHIA, ALÉM DE POETAS PORTUGUESES, QUE ELE TÃO CAPRICHOSAMENTE CONSTRÓI EM SEU SITE.

PEDRO VIANNA, A QUEM EU COMHECI ATRAVÉS DA QUERIDÍSSIMA PESSOA DE MIGUEL ANTÔNIO CARNEIRO, MUITO ME HONRA AO SE APRESENTAR AQUI COMO TRADUTOR E CO-AUTOR – PORQUE TRADUZIR É TAMBÉM RE-CRIAR, TORNAR ALGO NOVO, NOVAMENTE... DESTE MEU POEMA, EXTRAÍDO DE MEU LIVRO A PELE DE ESAÚ.

***

QUEM QUISER CONHECER MELHOR O SEU TRABALHO E, CLARO, OUTROS POETAS QUE PEDRO VIANNA VEIO A TRADUZIR, ACESSE O SEU SITE: http://poesiepourtous.free.fr

Que sabes tu dos frutos, das sementes,
da dureza das flores contra o vento ?
A aurora vem tragar a noite espessa
de onde brotou, sem dores, o teu grito.

Se a afirmação do amor nos aborrece,
morrer é mera vocação dos vivos,
pois, no morrer de tudo, há um recomeço.
Não queiras mal ao tempo ou ao espanto ;

não queiras mal ao grão, à terra escura...
Que sabes tu das trevas ou da carne ?
Que sabes tu das noites, dos princípios ?

Hoje, é chegado o tempo dos retornos,
e toda forma espera o seu ofício
como o vaso existente em todo barro.
...................................................................................

Que sais-tu des fruits, des graines,
de la dureté des fleurs face au vent ?
L'aurore vient engloutir la nuit épaisse
d'où a jailli, sans douleurs, ton cri.

Si l'affirmation de l'amour nous contrarie,
mourir est une simple vocation des vivants,
puisque, dans tout mourir, il y a un recommencement.
N'en veux pas au temps ni à la frayeur ;

n'en veux pas au grain, à la terre sombre...
Que sais-tu des ténèbres ou de la chair ?
Que sais-tu des nuits, des principes ?

Aujourd'hui, est venu le temps des retours,
et toute forme attend sa fonction
comme le vase existant dans toute glaise.

PRÊMIO DAMÁRIO DACRUZ 2012...

2011-11-10T11:54:00.000-02:00

CARÍSSIMOS,

OS ATUAIS ADMINISTRADORES DO POUSO DA PALAVRA DIVULGARAM UMA NOTA COM RELAÇÃO A UM NOVO CONCURSO DE POESIA E O APOIO À MEMÓRIA POÉTICA DE MEU SAUDOSO AMIGO DAMÁRIO DACRUZ. EIS O QUE ELES DIZEM:

Queridos amigos do Pouso,

Para aqueles que não tem facebook ou que ainda não curtiram a página de Damário (https://www.facebook.com/damariodacruz) ou do Pouso (https://www.facebook.com/pages/Pouso-da-Palavra/234938116539359), venho através deste informar que foi lançado na FLICA 2011 o prêmio Damário Dacruz que premiará 12 poemas na FLICA 2012 com o prêmio de 2.000,00 para cada e todos os poemas selecionados serão publicados pela Fundação Pedro Calmon e a verba será revertida ao Pouso da Palavra!

Essa atitude da Fundação Pedro Calmon é apenas mais um dos incentivos que esta entidade está realizando, através do querido professor Ubiratan, no intuito de ajudar o Pouso e manter viva a obra e memória de Damário!

Peço encarecidamente que divulguem este e-mail, na medida em que iniciativas deste tipo são tão raras e, muitas vezes, deixa-se de se descobrir novos talentos por pura falta de incentivo!

Ao tempo, informo que a FLICA 2011 foi um sucesso, superando todas as expectativas e que a FLICA 2012 está confirmada!! Se programem para participar ano que vem!

--
PousodaPalavra

Praça da Aclamação, nº8, Centro

Cachoeira - BA

"OUTROS SILÊNCIOS": NOVO LIVRO DE GUSTAVO FELICÍSSIMO É LANÇADO NESTE SÁBADO, EM SÃO PAULO...

2011-11-03T14:09:00.002-02:00

O poeta Gustavo Felicíssimo, autor de Outros Silêncios...

O lançamento do novo livro de Gustavo Felicíssimo, o segundo da MONDRONGO, editora vinculado ao Teatro Popular de Ilhéus, e terceiro do autor, ocorrerá em importante evento literário, o 23º Encontro Nacional de Haikaístas, em São Paulo, oportunidade em que o autor também fará uma palestra intitulada O haikai no nordeste e suas peculiaridades.

Depois da capital paulista, Felicíssimo lança Outros Silêncios em Marília, provavelmente na quinta-feira, dia 10. Afirma o autor que será motivo de enorme alegria retornar à Marília após tantos anos, sobretudo para lançar um livro onde, com a colaboração de amigos, sua obra vem sendo aos poucos descoberta e valorizada pelos conterrâneos.

Pode-se dizer que Outros Silêncios é o resumo do trabalho de dez anos em que Felicíssimo esteve imerso em formas poéticas oriundas do Japão, como o haikai, considerado o menor poema do mundo. A grande novidade da obra fica por conta de uma série de 40 poemas sobre o rio Cachoeira, escritos em parceria com George Pellegrini, intitulados Renga do Rio Cachoeira, poemas que refletem a indignação dos autores como o descaso e irresponsabilidade das autoridades para com os rios do Brasil, sintetizados no Cachoeira, o principal da região onde vive, o sul da Bahia.

Confira abaixo a apresentação que Edson Kenji Iuri, uma das figuras centrais do haikai no Brasil, faz ao livro de Felicíssimo:

“O haikai, forma poética de origem japonesa, nasceu para o Brasil no início do século passado, através da pena de Afrânio Peixoto. Até hoje, prestamos tributos a esse e a outros baianos pioneiros, que ajudaram a forjar com talento a tradição do haikai nacional. Ao lado dos poetas nativos, a Bahia revelou também um estudioso do calibre de Carlos Verçosa, paranaense que adotou essa terra e que muito tem contribuído com seus estudos para resgatar a justa dimensão do haikai dentro da literatura brasileira. É o mesmo caso de outro forasteiro, o paulista de Marília Gustavo Felicíssimo, que, uma vez seduzido pelos encantos do sul da Bahia, deixou-se ficar entre Ilhéus e Itabuna, para formar família e dedicar-se à literatura. Transitando com destemor através do haikai e de suas formas conexas, o senryu, o renga e o haibun, todas registradas neste livro, Gustavo Felicíssimo soube plasmar todas as influências recebidas de baianos como Afrânio, Oldegar Vieira, Gil Nunesmaia e Abel Pereira numa obra que aponta para o futuro, ao honrar a tradição haikaísta do grande estado nordestino”.

No 3o Encontro Brasileiro de Haicai

Às 16h DO DIA 5 DE NOVEMBRO DE 2011

Colégio Santo Agostinho
Praça Santo Agostinho, 79
São Paulo, Brasil.
encontro@kakinet.com

SONETO: "IN SOGNO..." ( PR' UMA AQUARELA À PABLO NERUDA)

2011-09-26T10:18:00.005-03:00

Mulher dormindo de Pablo Picasso, (1936), tecnica mista em tela 65X56 cm. Coleção particular.

à memória de Alfredo Catalani

Porque eu te amo, dormirás agora

a repousar teu sono no meu sonho.

Que a tua boca e o teu silêncio sejam

estas fissuras pelo amor abertas.

No pequeno infinito de teu corpo
revivem com meus beijos tuas formas
e a oculta luz de tua terra e flores
que dormem rodeadas por meus braços.

Assim me abraço à toda arquitetura
intervalo entre os frutos e as raízes
porvir do barro, espaços e serenos

para colher apenas tua carne
para tornar a ver-te e te habitar
ó girassol voltado para as sombras.

"INDEPENDENTE"... NOVO CD DO CANTOR E COMPOSITOR PAULO AKENATON...

2011-09-21T11:40:00.001-03:00

Capa do CD Independente de Paulo Akenaton.
Contactos e vendas pelo E-mail: pauloakenaton@hotmail.com

Compositor e cantor de formação autodidata, Paulo Akenaton, consegue transitar por vários gêneros musicais, estabelecendo pontes estéticas muito ligadas à MPB, perseguindo um registro sonoro calcado e influenciado na pesquisa de resgate, ao mesmo tempo, da expressão cultural urbana e da cultural rural.

Com uma bagagem musical que vai dos clássicos, da MPB, do samba de raiz, do Jazz e avançando para as novidades brasileiríssimas, Akenaton passeia por campos harmônicos bem peculiares, com seu violão, ao qual teve contato só aos 15 anos de idade. Têm pouco mais de 10 anos de carreira, e dois CDs gravados, o primeiro em 2005, chamado Paulo Akenaton, e o segundo em 2010, chamado Independente.

Premiado, em 2007, como a Melhor Música no Festival Vozes da Terra, em Feira de Santana e foi finalista, no mesmo ano, no Festival Universitário Regional de Estudantes (UNIFEST). Como cantor, compositor e arranjador integrou vários projetos musicais e, vem mostrando o seu atual trabalho tanto nas estradas que compõe o nosso mundo real quanto virtual. É o que podemos constatar nesta pequena amostra de seu imenso talento: pauloakenaton@hotmail.com

Para quem quiser contratá-lo para shows, ou, simplesmente, comprar seu CD, seu contato é: pauloakenaton@hotmail.com

ENTREVISTA: CONCEDIDA A HILTON VALERIANO PARA O BLOG "POESIA DIVERSIDADE", NO DIA 22 DE MARÇO DE 2011...

2011-09-21T11:06:00.001-03:00

O poeta Silvério Duque (1978- )

Pode a poesia expressar a busca permanente do homem pelo belo, pelo eterno, pelo sublime estigma do Ser entre a transitoriedade constitutiva de todas as coisas? Há poetas que cantam ruínas cotidianas. Há poetas que cantam o derradeiro sonho primevo, anterior a Queda, grande narrativa simbólica das ações humanas e seus anseios pela perfeição, pela unidade, arquetípico platônico, Éden Bíblico. Assim é Silvério Duque, um poeta definitivo. Seu livro, A pele de Esaú, manifesta em forma e conteúdo, uma lírica existencial, metafísica, como grandes são os poetas desse gênero, Jorge de Lima, Rilke, T.S. Eliot, para citar alguns. Verdadeira catarsis aristotélica, que busca no precário horizonte da vida, o desvelamento do eterno, a justificação de todo itinerário outorgado ao homem como seu destino: "Hoje, é chegado o tempo dos retornos/e toda forma espera o seu ofício/como o vaso existente em todo barro". Purificação de uma busca que se inicia pelo Amor: "Teu corpo me é louvor e desengano/e eu sou como que um sopro em teus anseios", e prossegue pela arte: "Toda palavra se renova em seu ofício,/todo verso vasculha venhas cinzas", porque a criação do poeta compartilha o gesto do Criador: "É preciso criar quando se crê,/é necessária a fé antes do fim,/rogar por quem (na fé) perdeu seu Deus.../Neste poema há mais que a minha vida". Se pertence à essência humana buscar a eternidade, essa busca realiza-se na temporalidade de nosso exílio: Somos a nossa ação por sobre o tempo, diz o poeta em seu verso. E assim, Silvério Duque exerce seu ofício de porta-voz do Eterno pela arte que pratica como exímio escritor.

(Hilton Valeriano)

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ENTREVISTA:

Hilton Valeriano: 1) – Como ocorreu seu contato inicial com a poesia?

Silvério Duque: Eu comecei, muito cedo, a ler poesia; escrever, no entanto, foi algo que veio depois... bem depois. E eu, sinceramente, não conseguiria dizer, com certeza, quando ou como foi, verdadeiramente. Sei que apareceu, sei que Fernando Pessoa, Drummmond, Camões, Shakespeare, Dante, e, logo depois, Eurico Alves Boaventura, Manuel Bandeira, João Cabral, Rilke, Tolentino, começaram a fazer parte de minha vida... mas, hoje, prefiro acreditar, o me limitar a responder, na seguinte idéia: Poeta nascitur, orator fit, como diria Sêneca.

2) – Como é seu procedimento ao escrever um poema?

A idéia me vem. Aí, eu a capturo, “deixo rolar”, como dizem os mais jovens. Depois, ponho “no complicador”, como diria o João Cabral. Tenho poemas feitos de uma só vez, cujos retoques foram mínimos e outros que levaram horas, dias, meses e até anos. Em meu próximo livro, Ciranda de Sombras, a sair pela É Realizações, há um poema que construir ao longo de oito anos... Retoco aqui, refaço ali, reproduzo e experimento várias combinações sonoras. Sou músico, componho um poema como quem combina notas, melodias, harmonias, timbres... Este é o caminho de quem quer algo bem feito, é o caminho percorrido pelos grandes, é o caminho que quero e devo seguir. Se o resultado, ao final, foi ruim, a culpa não é de todo minha... luto constantemente com as palavras para que elas me dêem um pouco do que elas têm de melhor. Quem faz o contrário é um idiota preso à sua própria vaidade de inepto.

3) – O que é poesia para Silvério Duque?

É uma afirmação diante da vida e de suas limitações. A poesia é uma das poucas coisas que, eu sei, valer, verdadeiramente, alguma coisa. Com ela, a vida é maior e já não sei olhar para ávida (ou para mim mesmo) sem olhar para ela, para a poesia, pois nos tornarmos uma coisa só, o mesmo propósito, a mesma vontade de completude. Ela me dá a certeza de que é possível criar, realizar... E realizar é afirmar a vida, vencer a morte; como eu mesmo escrevi, para um amigo poeta que morria de câncer:

É preciso criar para sentir;

nada somos se nada construímos,

pois se nada inventamos, nada existe...
Somos a nossa ação por sobre o tempo.

No dia em que tecemos tudo vive,
realizar é escapar da morte... mas,
não durarei apenas entre os outros,
pois dou aos versos usos e clarezas.

De tanta falta e busca me revejo,
de tanto amor e anseio, me reinvento,
nessas rotas e fugas me refaço.

Necessário é criar e a vida é pouca,
no dia em que eu me faço estou e existo.
Neste poema há todos os meus passos.

4) – Como você vê o atual panorama da poesia brasileira contemporânea?

Eis, aí, uma pergunta difícil...

A poesia, em nosso País, sempre foi algo muito forte, ligada demasiadamente à construção de nossa nação, à nossa idéia de brasileiros, à identidade brasileira. O problema é que, de uns tempos para cá, alguns critérios muito básicos vêm mudando radical e erroneamente. Exceto por uma duas dúzias de esmerados perdidos por nosso vasto território, a cultura, que, no Brasil, um dia, se chamou de erudita, é quase uma alucinação.

Um dos grandes problemas de nossa atual sociedade foi desaprender o sentido, tanto teórico quanto prático, da palavra “critério”, ou mesmo “juízo” e “discernimento”. De pessoas que acham, por exemplo, que a Ivete Sangalo é a maior cantora do Brasil porque cantou no Madison Square Garden ou que o Romero Britto, que, claro, possui lá o seu valor, é um grande pintor porque vendeu quadros para a Madona e para a mulher do Arnold Swarchenegger...“me poupe”! E a poesia, principalmente a contemporânea, acabou sofrendo muito com isso, também. Assim, se tu me perguntas sobre a nossa poesia e se ela vai bem, é claro que vai, sempre foi maravilhosa. A questão é que a poesia, mesmo se apresentando como uma forma de arte menos comercial e, muitas vezes, “sisuda”, não se livrou deste problema que no Brasil é grave, crônico e contagioso; por isso é preciso, infelizmente, dividir a poesia em dois extremos bem distintos: de um lado, aquela que ocupa a maioria das revistas, jornais e programas ditos especializados que, em sua maioria serve apenas para maquiar a total ignorância e a falta de apreciação mais acurada, aliada às trocas de favores, ao cooperativismo porco, à industria da promoção, dos diplomas, das orelhinhas de livros; do outro, aquela poesia distante da grande maioria destes veículos, feitas por pessoas que sabem que a poesia é a mais perfeita das redações, que ela não se nivela por baixo e que deveria constar nos livros de literatura e em todo material didático que chega às mãos de nossos alunos, porém, o que acontece é que aquilo que há de pior, ou, no melhor dos casos, de mais simples, óbvio e, digamos, de fácil digestão, à maneira da axé music e do hip hop, é o que se acaba estudando e aprendendo como a única poesia existente no Brasil, e isso é uma inverdade cruel e sínica, mas, ouça o que te digo, a história, no fim, excluirá os covardes, os inéptos, os sem talento, os sem critério, os sem noção...

Mas, ainda contamos com grandes nomes, como Bruno Tolentino, Alberto da Cunha Melo, Orides Fontela, Hilda Hilzt, Ildásio Tavares, por exemplo, que, mesmo mortos, ainda que há pouquíssimo tempo, são nossos contemporâneos, incluindo mestres da velha guarda como Ferreira Gullar, Ariano Sussuna, Reynaldo Valinho Alvarez, Adélia Prado, Mirian Fraga, Antônio Brasileiro e Conceição Paranhos, Florisvaldo Mattos, João Carlos Teixeira Gomes, que ainda estão vivos e nos ensinando cada vez mais. Estes são nossos contemporâneos, claro.

Agora, se tu me perguntas, mais especificamente, de nomes e poetas mais novos, em todos os sentidos, eu muito me contento em ler os trabalhos de Rodrigo Petrônio, autor de Venho de um país selvagem, que, inclusive, ganhou prêmio, aqui, na Bahia; Érico Nogueira, Marco Catalão, Jorge Elias Neto, ou de baianos – por que acontece que eu também sou baiano –, que são responsáveis por manter uma tradição de qualidade e beleza que provem desde Gregório de Matos, passando por Castro Alves e outros mais, como Bernardo Linhares, que nos apresenta uma poesia madura e admirável, onde forma fixa, aliada à livre cadência de ritmos, compõe uma das obras mais singulares de nossos últimos tempos por se tratar, principalmente, de um livro contemplativo, que nos apresenta uma postura positiva da vida e de toda a beleza que ela nos oferta dia após dia, e, em um caso que vai um pouco além do ofício de poeta; Gustavo Felicíssimo, que é o paulista mais baiano que conheço e um dos poetas mais disciplinados e talentosos de minha geração, por assim dizer, responsável por reunir e divulgar, em seu livro Diálogos (Ilhéus/Itabuna: Via Litterarum/Editus, 2009.), uma dos maiores grupos de poetas que o Brasil já possuiu, todos baianos, da região Grapiúna, onde, sem dúvida nenhuma, se produz, atualmente, a melhor poesia da Bahia e uma das melhores do País.

Quem se aventurar nas páginas de Diálogos, encontrará a síntese perfeita entre imagem e palavra na econômica, porém dialética, poesia de Edson Cruz; o verso sincero e livre de Heitor Brasileiro Filho; a delicada angústia de Noélia Estrela; os formais e coloquiais sonetos de Piligra; a enigmática literatura de George Pellegrini; o erotismo pujante e lírico de Rita Santana; o verso livre e apaixonado de Fabrício Brandão; o deslumbramento reflexivo de Daniela Galdino; os haicais (e falando em haicais já se diz tudo) de Mither Amorim; o esmiuçar emotivo de Geraldo Lavigne. Além do mais, o leitor constatará uma coisa óbvia: o trabalho sério e impressionante do pesquisador e organizador Gustavo Felicíssimo, que, entre critérios estéticos e políticos, constrói uma obra de referência, onde novas vozes se misturam, em igual índole, a nomes referencias como Sosígenes Costa, Adelmo Oliveira e Cyro de Mattos e para onde não encontramos sinais de nenhum “verbalista” que, como bem acentuou, certa vez, o filósofo Olavo de Carvalho, são os ditos "poetas que saltam direto do estímulo verbal à reação emotiva, sem passar pelo trabalho de imaginação e muito menos pela triagem crítica das representações imaginativas e cuja sua tendência é buscar a comoção ante os simples jogos vocabulares que, bem examinados, não significam absolutamente nada e nem poderão suscitar emoção nenhuma a não ser no sucesso do movimento Concretista que se deveu a propagação do verbalismo no lugar do verdadeiro poeta...”

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E se tu (e o leitor) ainda me permitir mais um exemplo – eu disse que esta pergunta era um problema – ainda temos o caso de poeta Patrice de Moraes, que, por ainda não ter seu trabalho muito divulgado e nem lançado por uma editora, merece um tratamento um pouco especial.

Falar de Patrice de Moraes é falar de um homem de extraordinário talento, cuja produção poética, segundo o dizer de Jessé de Almeida Primo, tranqüiliza a toda crítica “por não deixá-la em dúvida quanto à sua qualidade”, não restando objeções ao seu domínio de um ofício de eleitos: a Poesia. Poesia sem medos: sem medo de mostrar suas influências, de apontar para as fontes de onde se embebera, seja uma poetisa grega, morta a mais de vinte e seis séculos ou um mineiro introspectivo, cuja derradeira herança foi um livro de versos eróticos; seja um poeta português que foi tantos ou um paraibano que não foi menos que único. Poesia sem medo de mostrar sem disfarces e subterfúgios ou de encontrar aquela liberdade presente nas formas fixas que só um grande poeta sabe dar e reconhecer. Sem medo de não se mostrar pessoal e sincera, sem perder a boa e velha veia fingidora. Sem medo de ser poesia pura e depurada. Poesia como poesia deve ser. E para ser possível obter algo assim faz-se necessário munir-se de três grandes e indispensáveis requisitos: o talento a disciplina e o amor ao que faz que, a tudo, nos obriga. Quando me refiro à poesia de Patrice de Moraes, refiro-me a uma poesia que sempre se quer cinética, que pretende romper os limites da impressão simplória e alçar à consubstanciação da mais pura e didática alegoria, ou seja, uma poesia que substitui o abstrato pelo aparentemente concreto, ou, como melhor definiu Coleridge, citado por César Leal em seu Os cavaleiros de Júpiter, uma “transposição de noções abstratas para uma linguagem de cores”. Assim, cada poema de Patrice faz-se de imagens intencificadoras, dentro de um sistema que permite muito bem a isso; uma imagem representando um conceito ao qual se pretende, ou, simplesmente, comunicar, por meio de imagens puras e gradativas, o despertar dos sentidos, onde certas questões, como a do erotismo, são bem menos um assunto do que uma maneira de metaforizar, como nos dirá Jessé de Almeida Primo: “nesse sentido, sua poesia é tão erótica quanto toda poesia de qualidade deve ser, pouco importando seu assunto”.

Mas é, evidentemente, o próprio Patrice de Moraes, quem nos dá o melhor exemplo:

Se tens em ti a alma seduzida

a contemplar o Belo onipresente,

pensa que esse recurso reverente
levar-te-á à terra prometida.

Não àquela da Bíblia conhecida.
Mas outra situada num ambiente
onde sentir é fonte permanente
de ilustrações poéticas da vida.

Falo-te com profética certeza
porque assim que a existência foi-me empresa
às bases da contemplação do Belo

meu coração coitado preparou-se
a receber o AMOR como se fosse
o prego feito à imagem do martelo.

5) – A inovação em termos de poesia é sempre necessária? Existe uma tradição perene em regiões especificas do nosso país, como o Grande Nordeste?

Como afirmei, no início de nossa conversa, A poesia, aqui, no Brasil, sempre foi algo muito forte, ligada demasiadamente à construção de nossa nação, à nossa idéia de brasileiros, à identidade brasileira. E é claro que há uma tradição histórica ligada aos grandes centros culturais: no Nordeste (Bahia, Pernambuco e Maranhão), principalmente, por causa dos primeiros dois séculos de nossa formação, em Minas Gerais, graças aos Inconfidentes e no Rio de Janeiro, por tudo que veio dos primeiros anos do século XIX para cá. Eis os nossos grandes centros, lugares onde há uma tradição de poesia, onde a própria poesia é uma tradição. Todavia, mais do que tradição, ou inovação, necessitamos de boa poesia, de poesia de qualidade e é aí que começa um problema que já discutimos...

6) – Comente sobre a influência bíblica presente nos poemas de seu livro A pele de Esaú.

Eu penso da seguinte forma: como não ter esta influência? Ela está em nós por mais que não queiramos aceitar, pois é na Bíblia que está o nosso Mito Fundador. Leia o artigo: Do mito à ideologia, de Olavo de Carvalho, no Jornal da manhã do dia 21 de março de 2001. Um autêntico Mito Fundador é uma verdade inicial compactada que, no decorrer da História, vai desdobrando o seu sentido e florescendo sob a forma de ciência, de leis, de valores, de civilização, não sendo ele mesmo um produto da cultura por ser ele mesmo a semente de uma cultura possível. Basicamente, prossegue o filósofo, um Mito fundador constitui-se, em geral, de uma narrativa simbólica de fatos que efetivamente os sucederam que de tão essenciais e significativos que acabam por transferir parte de seu padrão de significado para tudo o que venha a acontecer em seguida numa determinada área civilizacional. A Bíblia é o Mito Fundador da civilização ocidental. E de que maneira este Mito Fundador se nos apresenta, e nos é repassado ao longo da História? Através da Literatura, primordialmente... Oral, depois escrita, xilogravada, depois pintada, melodiada por Bach etc. e tal... A arte é uma das muitas punções de um Mito Fundador. Quando Northrop Frye afirma ser, a Literatura Ocidental, uma variação dos enredos bíblicos, ele não só demonstra a existência e a importância do Mito Fundador como nos dá um belo exemplo do poder que a Poesia e a Arte exercem sobre nós ao longo de milênios. Até mesmo o Marxismo (que para mim é uma coisa abjeta) no que ele, supostamente, tem de melhor, é um mero decalque do Cristianismo.

No contexto mais específico d’A pele de Esaú, procurei, na figura de um Esaú destituído de seu destino, elaborar uma associação de sentimentos e pensamentos, buscando a verticalidade de múltiplos personagens que se querem fundir em um só. Afinal, o drama de Esaú é de todo ser humano, criatura destituída de seu verdadeiro lugar, como aquele Albatroz de Baudelaire,...“exilé sur le sol au milieu des huées, ses ailes de géant l'empêchent de marcher”, que um dia se apartou da presença de Deus. Um drama que, aliás, Sto. Agostinho, n’As Confissões, resumiu muito bem: “Fecisti nos ad Te et inquietum est cor nostrum, donec requiescat inTe."

7) – Em tempos onde muitos “poetas” vanguardistas repudiam toda referência à Tradição Poética, você escreve uma poesia centra na forma fixa do soneto, ou seja, uma forma clássica. Comente sobre esse aspecto de sua poesia.

A forma, como já tive a oportunidade de dizer, outrora, sempre pareceu, aos olhos ineptos, como um grande problema para quem nutria alguma pretensão poética; durante a pantomima estilística promovida pelo modernismo paulista de 1922, a forma figurará com um problema a ser resolvido, ou melhor, um cancro a ser extirpado, e não uma condição natural do fazer poético. Ambas as concepções, no entanto, são impressões simplórias e vulgares de quem só gosta de acreditar em besteira; neste caso, na idéia de que a forma é uma mera disposição de versos e rimas, ao bem da escolha de cada poeta, principalmente, àqueles que demonstram a mais completa inabilidade para com ela. Digo isso por pura experiência, pois, de todos os poetas que convivo e convivi – dos que conheço pessoalmente ou dos que só sei de ouvir falar e ler –, somente os que não dominam a forma reclamam dela; análogos a muitos artistas plásticos de lorota, que escondem sua escassez de talento através de um dito viés abstracionista. Há muitos que se dizem poetas, desprezando o soneto e as demais formas fixas, com a velha desculpa de que a forma é uma “aprisionadora” da inspiração e, conseqüentemente, do poema... entre outros despautérios.

Mas a forma nada mais é do que a elaboração interior do poema e é a idéia nele contida que a comporá, não o contrário. Um decassílabo, por exemplo, deve nascer decassílabo, quaisquer emendas de rimas ou sílabas métricas resultariam numa deformidade a comprometer, mais do que a qualquer outra coisa, o conteúdo da poesia. Forma é assimilação de idéia; compor diretamente nela é o melhor exemplo que alguém possa ter da incorporação desta idéia ao seu resultado final, enquanto arte. Todavia, é sempre bom lembrar que, quando digo que não pode haver emendas, ou apoios à composição de um poema, não me refiro aqui à depuração, que é um ato indispensável à criação poética, e que nada mais é do que o exercício e, conseqüentemente, a adequação de melhores recursos a uma forma já existente, pois ninguém sai de um soneto alexandrino para uma retranca, ou de um octossílabo pronto para um possível decassílabo sáfico; apenas se lapida, se retoca, fazendo com que um verso defeituoso, ou inexpressivo, como bem considerou Manuel Bandeira, em seu Itinerário de Passargada, carregue-se de poesia “pelo efeito encantatório de uma ou de algumas palavras”, exprimindo, no entanto, a mesma idéia e o mesmo sentimento que as substituídas, mas “lhes dando superioridade” naquilo que é a matéria mesma da poesia: a palavra.

Essas coisas são tão óbvias e, de certo modo, tão simplórias, que é difícil de acreditar que alguém as ignore com tanta veemência, mas não faltam exemplos de que tamanha asneira prolifera-se, por aí, como baratas no esgoto. Não faltam exemplos de idiotas que não acreditam na forma como a patente e espontânea conseqüência da idéia de um poema que – como afirmou o crítico Jessé de Almeida Primo – carrega em si o caráter mimético que, de tal sorte, a forma vem a existir para calcular, bem como para dizer algo do texto, que o texto não diz, por mais que isto, antagonicamente, só seja possível, através do texto, por meio da “prosódia e do ritmo” que, para o autor de A natureza da Poesia, são sempre encenação de alguma coisa.

Acreditar que um soneto são simples catorze versos e não o resultado natural da concepção poética é, paradoxalmente, quase que dar crédito ao piano, pela bela interpretação de um concerto, do que ao pianista que, virtuosamente o dedilha, visto que, ao desprezar o resultado acabado, ele teria mais credibilidade em sua forma do que em sua essência. Vejamos então, leitor amigo, outro exemplo simples, também utilizado pelo Jessé Primo.

Na cinza desta tarde me comovo,

levado por lembranças tão pequenas

que me volta o desejo de partida
quando já estou bem próximo à chegada
e me sobram razões de ter ficado
sem sonhar o momento de partir
nem cultivar tenções de continuar.
Procedo como um louco que se perde
nas voltas renovadas do caminho
e sem saber repisa a mesma trilha.
Repasso o longo espaço percorrido
e me faço perguntas sem resposta.
Onde terei deixado o que perdi
ou que terei deixado ao me perder.

Os catorze versos estão aí, embora se sinta a falta dos já citados dois quartetos e dois tercetos ou, neste caso mais específico, os três quartetos e um dístico, pois se trata de um soneto inglês. Por que...? Para Jessé de Almeida Primo, há, neste belíssimo poema de Reynaldo Valinho Alvarez, um ritmo muito específico que predomina nos dose versos, levando-se em questão uma leve variação, que, por sua vez, confirmam e credibilizam o ritmo original, como na retomada de fôlego a partir do oitavo verso, no qual, ainda segundo Jessé, “tudo começa outra vez”, até a mudança mais acentuada exercida pela “uniformidade prosádica dos dois versos finais”; Jessé Primo, então, conclui que, “se a rima é igualdade de som”, como também afirmara o grande Manuel Bandeira, “neste soneto mostra ser também uma igualdade no ritmo, ou seja, a forma fixa é, antes de tudo, definida pela melopéia, de modo que, o agrupamento de versos e as rimas terminam por ser um detalhe”. O resultado disso, como vemos, é um soneto, e não catorze versos.

E por falar em soneto... Se tu perguntares a quaisquer alunos de nossas melhores escolas, ou, até mesmo, aos neófitos do Materialismo Histórico, os quais compõem a grande maioria de nossos universitários, não só nos cursos de Letras, mas, nas Universidades brasileiras, como um todo, sobre o que seria um soneto, ouvir-se-ia, entre ludibriações de todos os tipos (recurso muito comum àqueles que não gostam de admitir suas ignorâncias; talvez, a coisa mais honrosa que a grande maioria destas pessoas poderia fazer em vida) e retumbantes, porém dignos, “não sei!”, a resposta mais comum seria: “é um poema de quatorze versos, dividido em dois quartetos e dois tercetos”. Afirmação esta muito comum de se ouvir com relação àquilo que se perguntou (pois para a grande maioria dos alunos de Literatura, seja lá qual for o seu grau de instrução, extraviados do mais simples e decente rumo intelectual, esta será toda consideração, a respeito deste assunto, que eles terão em toda sua vida acadêmica), mas que, de longe, açambarcaria esta forma que, dentre as “castas” poéticas em que se diversifica o gênero lírico, é a que exige, de seu criador, o maior nível de intelectualidade, de concretude e de pensamento lógico-reflexivo, ou seja, a priori, o soneto precisaria ser rimado, metrificado e apresentar uma estrutura dissertativa em seu discurso, exigindo de seu autor grande conhecimento daquilo que faz e do que fala através dele (além do esqueleto estrófico tão comumente citado), que, em nada, ajudaria a compreender a grandeza e a complexidade desta forma, a qual se encontra no cerne de toda a Poesia Ocidental há séculos, e, ainda assim, é o mais sofisticado modelo poético existente, mostrando-nos, só por motivo de exemplo, que não foi à toa que parnasianos e simbolistas – tão diferentes entre si – preferiam-no, incondicionalmente.

Desde os exemplos mais clássicos, como os de Petrarca, Camões e Shakespeare, aos melhores mestres deste gênero em nossa literatura colonial e pré-moderna, como Gregório de Matos, Cláudio Manuel da Costa, Machado de Assis, Raimundo Correa, Cruz e Sousa e Olavo Bilac, o soneto tem se mostrado o fim a que se dirigirem os versos de muitos dos maiores poetas do mundo há mais de meio milênio. Nem mesmo o advento do Modernismo – e, quando falo de Modernismo, não me refiro, aqui, à pantomima paulista de 1922, nem à Disney World canibalística que a ela se seguiu, antes, refiro-me àquele Modernismo onde o clássico e o novo convergiam sem nenhum tipo de inconveniência ideológica ou de extravagância lírica, como é o caso do Modernismo de Euclides da Cunha, Lima Barreto e Augusto dos Anjos, logo retomado pelas gerações de 30 e 45, por exemplo – destruiu a importância e a tradição às quais o soneto se vale até os dias de hoje; pelo contrário, o Modernismo cultivou um soneto dotado de rigor e beleza como jamais se viu.

Segundo César Leal, em Os Cavaleiros de Júpiter, “o elemento protéico do soneto é o pensamento reflexivo”, mesmo quando este “alcança uma ordenação mágica como é freqüente em Jorge de Lima”. É, no soneto, que conhecimento, ciência e instrução geral se fundem com legitimidade, por isso mesmo, no Modernismo, apesar do descrédito e difamação de muitos, o soneto se aperfeiçoou, tornado-se, inclusive, “independente e diverso em relação aos modelos clássicos” – afirma César Leal –, apresentando – ainda de acordo com o poeta e ensaísta pernambucano – “traços estilísticos inconfundíveis”, como são os casos de Manuel Bandeira, Jorge de Lima, Vinícius de Moraes, Bruno Tolentino, Sosígenes Costa, Mário Quintana, Emílio Moura, Ariano Suassuna, Dante Milano, Ildásio Tavares... O soneto moderno – como todo bom poema de qualquer época – deve estar pleno de sentido, de significados, e não ser um mero jogo de idéias sobrepostas ao acaso; deve aparecer e soar ao seu leitor dentro de uma “imaginação auditiva” (lá vem o César Leal, de novo), tão comum em Milton, segundo T. S, Eliot, como no próprio Eliot, mas também em Castro Alves e até mesmo em Ascenso Ferreira, e, por recortar uma realidade instigante, por ter uma penetração psicológica muito intensa, por proporcionar uma fácil compreensão de tudo e de si mesmo, é uma obra da razão recortada pelos malabarismos lingüísticos e dos signos comuns, à maneira da inovação formal proposta por mestres como Jorge de Lima, e mantendo aquela tradição oral e simbólica comum que Vinícius de Moraes absorveu de Camões, por exemplo.

Além do mais, todo poema é formal quando se quer fazer algo bem feito, pois o bom poeta, que é também música, não pode admitir a desarmonia, o barulho frívolo, o ritmo descompassado. Meu livro A pele de Esaú tem metade de seus poemas em forma de soneto e a outra metade em forma livre, por assim dizer, o que ele não possui, é a deselegância instintiva dos que não querem aprender nem melhorar; trabalhei duramente para que ele tivesse, como afirmei a pouco, a plenitude de sentido, de significados, e não ser um mero jogo de idéias sobrepostas ao acaso, mas aparecer e soar ao seu leitor dentro de uma “imaginação auditiva”. Isso eu sei que se faz presente tanto em poemas como este:

E sempre, em meu olhar, o mesmo rosto,
a mesma noite, o mesmo labirinto.
O anjo que eu vi cair, já recomposto,
evola-se na luz – Eu não o pressinto...?

Avistei-o, através deste sol-posto,
sob o livor da morte e meus instintos,
ardente e triste sobre os céus de agosto
como as coisas que vi e agora sinto,

pois maior é o Mistério à minha frente.
( Nesse vento indo e vindo pelas portas,
eu penso em Deus e nada está ausente... )

– Somos memória e a morte a todos corta,
meu irmão Esaú precito e crente,
mas só a visão de Deus é o que te importa.

Como neste, também:

Tudo é tão terrível, Senhor
estes silêncios colhendo as orações e os frutos
a temeridade presente na Beleza
a navalha despertando a carne
o coração que bate
o pulso aberto
este morrer de tantas coisas
a indagação da Eternidade
a dúvida
o chão
a chuva
o barro paciente
o vaso que em todo barro existe
o oleiro
o instante fugaz como
todo instante
o instante fugaz como tudo
a noite
as estrelas
o dia sem nuvens
o corpo
o outro corpo
o espaço
a medida
o campo
as reses
a vida a brotar da morte de toda semente
o mover de tudo
o musgo
os muros
ainda que eu veja tudo
e esteja em tudo
toda mentira me é pouca
o passado
o porvir
a dor que trago agora
o peito
o braço
o olho
o sexo
os pés
o mar
o céu
( mas entre o mar e o céu o abraço insano )
o mar
o céu
( dois infinitos que no Azul se inflamam )
o mar
e o céu
( este mútuo espelhar entre os eternos )
as estrelas no espaço
tristes
o afastamento
o encontro
o martírio
o amor
a renúncia
o Minotauro
a falsa fé de Minos
as asas de Ícaro
Pasifae
o Touro
o Labirinto
o muito perder-se de Dédalos
a Esfinge
o enigma
o precipício
( esta mulher, Senhor
meu naufragar em seu corpo
o seu cheiro
a sua carne
o seu delírio
o suor
o gozo
as entranhas
toda ela e tudo... )

8) – O que você diria como forma de conselho para aqueles que estão se iniciando na prática da poesia?

Não sou a melhor pessoa para dar este tipo de conselho, pois tenho apenas 32 anos, dois livros publicados e um a caminho, sou tão aspirante quanto muitos que ensaiam seus primeiros versos; mas, para não deixar a pergunta sem resposta, vou falar dos conselhos que eu mesmo me dou. Ler muito, mas, principalmente, ler os grandes poetas. Muitos poetas com certo talento tornam-se poetas medíocres por causa de leituras igualmente medíocres. Trocar Manuel Bandeira por Cassiano Ricardo, Jorge de Lima pelos irmãos Campos, Bruno Tolentino por Manuel de Barros, Ildásio Tavares por Arnaldo Antunes é querer não ser ninguém, ou coisa alguma, nada. Ouvir os mais velhos e experientes; ser humilde, aceitar o fato de que poder errar, mas também poder se corrigir, porque um poema nunca está, verdadeiramente, terminado; há sempre a algo a mudar, a corrigir, a refazer, tudo pode ser melhorado se houver talento, exercício constante e vontade de construir sempre o melhor. Lembrar-se de que ninguém colhe manga em jabuticabeira, nem todos hão de ser poetas por mais que queiram e é preciso saber a hora de desistir, também. E se já são poetas, acreditar no que acreditam ser algo especial, porque é verdadeiramente especial; a poesia e arte tornam a vida melhor; com a poesia, como diria Gullar, “a vida é mais”, sem dúvidas. Mas, não se iludir... este não é um caminho de glória, muito pelo contrário, por causa da poesia eu ouvi muitas injúrias, muitas mentiras que disseram todo tipo de mal a mim e aos meus. Parafraseando meu velho mestre e amigo, Ildasio Tavares, o melhor conselho, assim como os melhores versos, quem nos deu foi Dante: “Lasciate ogni speranza, voi che entrate”!

REVISTA HERA (1972-2005): ENTRE SEGREDOS E DEGREDOS...

2011-09-15T18:30:00.002-03:00

Revista Hera Antônio Brasileiro [Et. Al].
Edição fac-Similar, Salvador, Fundação Pedro Calmon; Feira de Santana UEFS, 2010.
714 p. il. Valor: R$ 70,00

Nunca entendi – confesso – a necessidade das Vanguardas; muito menos seu papel determinante nos rumos da arte e da literatura modernas.

Talvez a minha ignorância advenha do fato de eu sempre ter encarado os movimentos de vanguarda como uma maneira meramente escandalosa e, em alguns casos, até um pouco equivocada, de se construir e complicar o porquê de uma situação que se faria naturalmente sob uma simples “cortina de silêncio”. Tal cortina nada mais é do que o próprio esgotamento dos recursos expressivos de um determinado movimento ou escola, quando não uma variação mais aprofundada de um estilo de época antecedente, como foi o caso do Impressionismo – bem como de todas as escolas literárias desde a Grécia Clássica aos nossos dias –, o qual, quando finalmente se viu como algo próximo a uma vanguarda, deu os seus primeiros passos rumo à confusão identitária, à ruptura de seus valores e de suas idéias mais originais, e, evidentemente, à sua total decadência.

É por causa desta minha maneira de ver – e, até hoje, ninguém a conseguiu mudar, que, acredito, os movimentos de vanguarda só podem fazer-se entender como legítimas manifestações do espírito criativo quando se desvencilharem do protesto escandaloso pelo qual se fizeram apresentar e, também, livres de teorias frívolas, manifestos agressivos, polêmicas desregradas e dotadas de uma postura mais consciente do meio em que se ocupam, oferecerem uma perspectiva verdadeiramente prática pela qual deverão ser analisadas, consideradas e – só depois... e bem depois – aceitas e seguidas. O problema é: cumprindo-se estas exigências, não se poderão – por não mais portarem-se como tal – chamarem-se vanguardas, a não ser que continuem a insistir em uma atitude já desnecessariamente desordeira e, conseqüentemente, irascível.

Como acontece a quaisquer movimentos, as vanguardas necessitam de um estudo aprofundado e honesto, logo após as fases de apresentação e aceitação, para se chegar a uma visão clara e realmente crítica do que nelas há de verdadeiramente artístico ou não. Ademais, nenhum movimento que se preze deve querer, proposital ou indesejavelmente, constituir um fim em si mesmo, como foi o caso do Modernismo Paulista de 1922, que não possui um poeta para além de Manuel Bandeira – que era pernambucano e que nunca se mostrou um adepto genuíno do travestido avant-gard pequeno burguês de Mário e Oswald de Andrade – e cuja aludida “Antropofagia” só se fez valer em Raul Bopp e Tarsila do Amaral, apenas.

Isso sem contar com o fato de que, com seu preciosismo vocabular, com suas imagens fantásticas – e, por vezes, fantasmagóricas –, misto de expressionismos e surrealismos, além de suas “tiradas afrontosas”, como bem apontou Antônio Houaiss, Augusto dos Anjos, é muito mais revolucionário que qualquer participante da Semana de Arte Moderna de 1922, ou mesmo seus influenciadores futuristas, se o bardo paraibano desgraçadamente, estivesse no mesmo nível de um vanguardista, mas seu rigor formal nasce da necessidade de dar concretude, através de uma realidade imaginária, à própria realidade, sem enganá-la ou substituí-la e este seria um dos propósitos de toda vanguarda, mas também de toda verdadeira arte, não?! E os processos destrutivos comuns aos movimentos de vanguarda não são outra coisa senão a busca do cerne dessa furtiva realidade, que se vai revelando, no entanto, e inevitavelmente, impalpável e confusa quanto mais se agarram a ela desvinculando da verdadeira...

O grande problema dos “movimentos revolucionários” é a perigosa negação dos valores estabelecidos, bem como dos moldes históricos, por uma legião de, quase sempre, carentes de talento – em sua grande maioria – engajados a ideologias desprezíveis – principalmente as de Esquerda –, que, também, impregnam, desde há muito, a nossa crítica literária, empurrados pela frustração e pelo ressentimento. E se o papel das vanguardas é a insurgência contra os padrões e os instrumentos demasiadamente gastos de movimentos antecedentes, lamento dizer que tal papel cabe a qualquer escola literária no mínimo bem intencionada, seja ela apresentada pelo escândalo ou seguindo o seu caminho natural de desenvolvimento e adaptação, pois mudanças sociais também são indicadores de que mudanças artísticas virão. É por saber de tudo isso que considero intolerável e repugnante que a poesia brasileira tenha adentrado o século XXI ainda contaminada pelo legado concretista e extremamente iludida com o clamor ressequido e, há muito, descontextualizado, pela poesia marginal e político-social dos anos 1970. Para piorar, ainda há muitos – incluindo amigos, colegas e professores – que acreditam que a vexação comandada pelos paulistas de 1922 constitui, realmente, na maior “inovação” que a poesia brasileira viu desde o último século, e que movimentos como os da prosa e poesia dos anos 1930, bem como os novos formalistas surgidos a partir dos anos 1990, são conseqüências, mesmo que indiretas, do anedotário de Oswald de Andrade. Mas como se sabe, há doido para tudo neste mundo, sem dúvidas.

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E por falar em anedota, é impossível pensar na revista baiana de literatura Hera, em seus mais de trinta anos de existência, por exemplo, sem pensar na influência de movimentos como o Concretismo, o Neocroncretismo e a Poesia Marginal, ao mesmo tempo, que sua evolução qualitativa se dá à medida que, gradualmente, seus colaboradores se afastam das realizações dos líderes e seguidores dogmáticos de tais movimentos. A melhora estética de Hera – e a verdadeira revolução poética que esta chegou a imprimir no cenário artístico baiano – só se impõem aos escritores que ajudaram em sua evolução a partir da negação de seus próprios esquemas teóricos. Assim sendo, as idéias referidas em seus manifestos valem menos – ou quase nada – que as influências sobrevindas de suas leituras particulares, sobretudo a de Carlos Drummond de Andrade, como se viu muito claramente no 14º número da revista, bem como as de Fernando Pessoa e Baudelaire.

Se há um salto por cima de tais movimentos de vanguarda que poderiam ter influenciado os poetas que se reuniram em torno dos ideais de Antônio Brasileiro Borges – para eles, diga-se, um ideal vivo... – é o de não se terem prendido ao cabedal concretista, ou ao das leituras de Lemsky, Cacaso ou coisas semelhantes, mas retomarem certas tradições, para muitos, antigas e quase apagadas, como a idéia de origem da poesia, ou da força artística, está, portanto, no poder de formar imagens, e no fato de ser a imaginação a grande mãe da arte. Assim, tendo em vista que a imaginação prende o pensamento, como pensava Benedetto Croce, em sua Estética, a atividade artística é anterior ao pensamento lógico, e os membros de Hera que assim pensavam, e assim o fizeram, desenvolveram trabalhos bem melhores e duradouros àqueles que viram, numa atitude contrária – e, por isso mesmo, vanguardista –, o verdadeiro caminho a uma poesia “pura e moderna”. Isso só prova as dificuldades de se querer fazer uma arte tida como subversiva quando a própria subversão se apresenta como regra.

Uma coisa é certa: os escritores que, há quase quarenta anos, abraçaram o projeto de Antônio Brasileiro, queriam fazer literatura, não importando como nem com que formas se fariam ouvir. Assim, nasceu Hera, até então, editada de 1972 a 2005, num total de 20 números que, vencendo todas as dificuldades editorias e ideológicas que projetos como estes costumam enfrentar, mesmo em nossos dias, cuja facilidade de divulgação é proporcional ao alcance que a Internet pode chegar, consolida-se como símbolo de um surpreendente movimento literário bastante atípico, pois se fez, em primeiro momento, fora dos muros da Academia, quanto das Universidades, além de se solidificar e se expandir a partir de Feira de Santana, interior da Bahia, e não na velha, poética e tradicional Salvador. E a maneira como o projeto de construiu não foi diferente à forma como se fizeram em grupos que, em São Paulo, Minas ou mesmo Bahia, ajudaram à consolidação da poesia moderna em nossas Letras, ainda nos primeiros anos do século passado: através de encontros regulares para a leitura de poesias, filosofia, história da arte; da troca de opiniões – principalmente a dos escritores mais velhos e experientes; do labor editorial; do vinho; do futebol; e, evidentemente, pelo desejo e dever de se fazer literatura, atentando para o fato de que ser escritor constitui-se de menos glória que labor, mais uma missão que um mero ofício. Desta maneira, a revista Hera, que em seus três primeiros números, publicara apenas pequenos contos – todos pífios, diga-se de passagem – volta-se, a partir de seu 4º número, à publicação exclusiva de poesia, provando que, se a arte caminha para a sua própria abolição, como afirmara Hegel, é com uma forma, que se inicia e se finda em si mesmo, que se alcançará a medida real daquilo que precisa ser vivido, dito e expressado, e, desta maneira, fazer-se uma verdadeira “revolução”, uma verdadeira “poesia moderna”, ou, simplesmente, para se fazer poesia.

Na órbita de Hera, e levando o seu nome, como bem escreveu José Carlos Barreto de Santana, no prefácio da edição fac-similar da revista, nascera um grupo que “criou raízes em Feira de Santana e foi responsável por um movimento plurifacetado, que alcançou outras áreas, como as artes visuais e a música, e promoveu ações e polêmicas culturais em diversos planos e, muitas vezes, em circunstâncias adversas”, mas, principalmente, criou uma poesia moderna, ou melhor, pós-moderna, ou ainda melhor, não-vanguardista; uma literatura como a literatura deve ser, pois, como afirma Hans Sedlmayr, “o melhor da poesia moderna, assim como qualquer produto da arte moderna” – que, na minha humilde opinião, podem muito bem ir de Luís de Camões a Fabrício Carpinejar ou de Giotto a Juraci Dórea – “não pertencem aos movimentos de vanguarda, ainda que estes tenham servido de ponto de partida para alguns dos melhores poetas e escritores de nosso tempo, e arte moderna que merece este nome nasce no meio da revolução descrita em oposição àquela arte que já não quer ser, mas nasce da substância e do espírito da antiga e eterna arte, mediante uma sublimação e transformação artística de pensamentos, considerações e formas que surgiram na Revolução, e é reconhecível no fato de, com toda seriedade, desejar uma adaptação lógica entre figura visível e significado, entre forma e missão, em recusar submeter-se a todos os poderes que estão fora da arte, em renunciar à figura, em reconhecer uma ordenação de valores e a eles subordinar-se”. É o caso, por exemplo, deste belo Soneto de amor profano, de Antônio Brasileiro, que se enquadra muito bem às deliberações do professor Sedlmayr:

Não me consinta o amor tanta alegria,

pois, por não merecê-la, me constrange

o peito (já uma dor, não longe, me

sussurra que este amor sem agonias

não há de consentir em tanta graça),

eis que, perdidamente, já pressinto

– e quando, e quando – que em amor perdidos

todos os lances, não há como obtê-lo

de outro modo que não por sacrifícios

e eis que este, pois, gratuita dádiva,

me chega às mãos de um modo tão profano,

de quase sempre estou de que, se o tenho,

já não o tenho por justo e dadivoso,

mas por amor que é fruto só do engano.

E não me engana o amor quando enganoso.

É claro que isto não se aplicará a todos aqueles que, ao longo destes anos, fizeram parte da revista Hera, pois toda revolução tem seus mortos – e, em sua a grande maioria, não serve para mártir. Como acontece a qualquer escritor, os membros de Hera, na eminência de seu resgate pela posteridade, devem ser vistos, minuciosamente, não apenas à luz de sua época, muito menos por sua pretensa condição de vanguardista, mas, e principalmente, pelas muitas e definitivas influências que lhes serviram tanto de base poética quanto de ideário estético, pois há uma concepção poética existente na proposta literária de Hera que, se não é possível reconhecer na prática, decerto existe em idéia: a de que a poesia é redação superior e a meta a toda manifestação sublime de arte e uma das únicas e verdadeiras maneiras de se chegar ao Belo. Todavia, se alguns de seus membros não o seguiram – e a posteridade provou que muitos passaram bem longe de tal alcance – foi por pura “questão de natureza” e ou “limitação de suas capacidades” quanto escritores e não por suas ideologias, muito menos por seus empenhos. Por isso foi impossível à Hera evitar verdadeiros erros editorias, como este Transição, de Iderval Miranda:

demônios
rasgam
ferem
distorcem
o cerne
dos sons altissonastes

deus é ouvinte

e

seu útero
ébrio de SPQR
rompe-se
descarregando cinzas
de Washington DC

ou esta absoluta idiotice “composta” por Erthos Albino de Souza:

himem
mhime
emhim
memhi
omemh
homem
nhome
enhom
emenho
emenh
semem

que nada aprenderam com seu mestre Antônio Brasileiro, que apóia sua poesia numa distribuição mística de formas associadas à unidades de sentido e de natureza extremamente complexas, mas que se apresentam de maneira leve e inteligível, principalmente quando sua imaginação criadora se sobrepõe a uma racionalização forçosa do verso e do labor poético, como também acontece com este verdadeiro Momento de luz, de Wilson Pereira:

Há um sono terrível nos meus olhos.
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Há uma ânsia muitas vezes repetida
e fixada em minha alma há tantos séculos.
Há algo em mim como uma dor estatelada.

Há algo em mim que envelheceu em canaviais
que sucumbiu no mar, no fogo e em madeiros.
E não sei se é dor. Se é amor. Ou longa estrada percorrida.

ou com as participações super-especiais de Maria da Conceição Paranhos, e seu Penélope Revisitada:

Se perco qualquer um de teus instantes,
e a ânsia do retorno me transtorna,
enquanto fica ausente, em meu mirante,
descrente de meu passo à tua porta.

Todo ruído traz tua presença –
ausente do tecido desta espera,
nutrida de miragens e da crença
nascida de mim, comigo e eterna.

Amar assim, cercada pelo tempo,
é como desfiar os fios da teia
tecida e entretecida desde cedo.

Houve que acolhesse o seu amado
em malhas feitas e desfeitas sempre.
Mas eu teço o momento de perder-te.

ou, ainda, para não me acusarem de “formalista”, “tradicional” e “antiquado”, mais do que já o fazem, e destes versos curtos, livres, mas precisos e cheios de significado, de meu saudoso amigo Damário Dacruz:

Deixarei
a lua acesa
na varanda.

No meu retorno
dos becos noturnos
e do luau de Luciano
evitarei tropeçar
na tua ausência.

Mas Hera é assim. E, independentemente de todas estas considerações, a publicação, pela editora da Universidade Estadual de Feira de Santana, em parceria com a Fundação José Calmon, de uma edição fac-similar de todos os 20 números de Hera, representa um marco editorial para a literatura baiana, e, quiçá, brasileira, interessando a pesquisadores, professores, alunos de Letras, e, principalmente, ao público em geral que, através desta volumosa edição – 714 páginas, ao todo –, redescobrirá um dos momentos mais importantes e controversos da literatura na Bahia, por meio dos muitos nomes que ajudaram a compor a trajetória de Hera, como Roberval Pereyr, Juracy Dórea,Washington Queiróz, Wilson Pereira de Jesus, Cremildo Souza, Uaçaí de Magalhães Lopes, Gastão Correia, Trazíbolo Henrique Pardo Casas, Marcos Porto, Salete Aguiar, Rubens Alves Pereira, Iderval Miranda, Luis Pimentel, Luis Antônio de Carvalho Valverde, Assis Freitas Filho, Marco Lucchesi, Evandro Barreto, Carlos Cunha, Antônio Gabriel, Juciara Lima, Cristovam Aguiar, Raymundo Luis Lopes, Elieser César, Ruy Espinheira Filho, Cid Seixas, Maria da Conceição Paranhos, Jorge de Souza Araújo, Damário Dacruz, Tanussi Cardoso, Moacir Eduão, Outran Borges, Anne Cerqueira, Henrique Wagner e, principalmente, Antônio Brasileiro, entre outros tantos... Inclusive o pobre infeliz que escreve estas mal traçadas linhas...

Como o próprio Brasileiro professara, no pósfácio da 1ª edição de Hera, uma revista literária pode apontar nomes, mas é o tempo o arquiteto dos caminhos. Sobre a debandada da maioria, são pouquíssimos os que persistem; menos ainda os que realmente terão verdadeira representatividade. É a posteridade quem dará a última palavra. E deu...

Por mais que poucos de seus integrantes tenham realmente conquistado aquele “lugar ao sol” com que sonham quaisquer aspirantes às Letras, o ideal que moveu em torno de Antônio Brasileiro e seus neófitos feirenses, a quase quarent’anos, fez-se vivo, cumpriu seu dever, colheu resultados e, como aquela flor de brutal doçura, versificada por Roberval Pereyr, não se mostrou simples, nem cedeu às inúmeras pressões que projetos como esse costumam sofrer ao longo de sua existência:

Não quero ser simples.

Uma flor não é simples:

é uma flor. E não cede.

e, hoje, é impossível pensar na história da Literatura na Bahia, sem pensar no papel que Hera desempenhou ao longo de suas 20 edições. Eis aí uma verdade; uma grande e incomodativa verdade... doa em quem doer.

Feira de Santana/Candeias, agosto de 2011.

IMPERDÍVEL: MEU LIVRO "A PELE DE ESAÚ" POR APENAS R$ 15,00... VEJA COMO ADQUIRIR...

2011-09-14T20:59:00.001-03:00

Editora: Via Litterarum

Autor: Silvério Duque

Apresentação: Ildásio Tavares

Posfácio: Gustavo Felicíssimo

Ilustração: Gabriel Ferreira

Ano: 2010
Páginas: 72 il.
Formato: 15,5x21cm
ISBN: 978-85-98493-66-4

Preço: Apenas R$ 15,00
Como adquirir: http://www.quiosquecultural.com.br.

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A ESCRITURA DE SILVÉRIO DUQUE

por Ildásio Tavares

Um dos momentos cruciais da formação do povo de Israel é quando Jacó assume a pole position, num golpe de mestre que começa com Esaú vendendo-lhe a primogenitura por um prato de lentilhas. Este factóide diz – de pronto – alguma coisa do temperamento e personalidade de ambos. Do imediatismo e gula de Esaú, da sagacidade de Jacó. Mais tarde, esta cessão da primogenitura tem que ser ratificada pelo pai de ambos, Isaac, que teria de dar sua benção. Aí, Jacó se vale de outro estratagema. Como Isaac estivesse meio cego, Jacó seria apalpado. Esaú era muito peludo e então, Jacó se veste com a pele de um animal e assim consegue se fazer passar pelo irmão que lhe tinha concedido seus direitos.

Ao nomear este belo livro de sonetos finamente escandidos de A Pele de Esaú, quero crer que Silvério Duque tivesse se inspirado neste episódio, ainda mais que coloca a epígrafe da passagem em que o Senhor adverte Esaú, que começava a querer-se rebelar, mas que finda por se afastar e criar seu próprio povo longe das doze tribos de Jacó que viriam a formar o reino de Israel. Esaú tinha sido tolo, contudo, era forte e também contava com as bênçãos de Deus. Vinha de uma linhagem cuidadosamente selecionada de Abraão e Sara, para Rebeca e Isaac e que desaguaria nos 12 filhos que Jacó teria com Zilpah, Bilhah, Lia e Raquel, formando o povo eleito, o povo de Israel, até hoje vivo.

Neste meridiano da perda e da rejeição, na figura de um Esaú destituído de seu destino, Silvério elabora uma intricada associação de sentimento e pensamento, buscando a verticalidade de personagens que se multiplicam porque se querem fundir em um só. Afinal, o drama de degredo e aparte que sofre Esaú é de todo ser humano, anjo caído, que, um dia, se afastou da presença de Deus. E toda odisseia que Esaú tem que executar na busca de si mesmo pode-se configurar em seus aspectos trágicos e cada poema deste livro, pois, discorre sobre um jaez da personalidade humana com este suporte analógico, na verdade.

Mais do que o simples discorrer lírico, em que o poeta se exprime de dentro pra fora, este livro encarna um processo dialógico e dialético em que o poeta entra e sai no personagem e extrai daí o seu significado, num trâmite de intersubjetividade. Esta atitude reforça os aspectos dramáticos do poema e, ao dar voz aos personagens, torna o contexto mais efetivo. Destarte se estabelece um fio condutor que vem conferir unidade ao texto. Aliás, o livro todo é muito bem organizado, com um exato rigor de expressão e de ordenação, todo ele muito coeso, em suas partes, em suas divisões, o que consiste, em verdade, uma cortesia para com o leitor.

Do ponto de vista formal, o livro é impecável. Depois dos primeiros originais, eu recebi mais duas emendas do autor, provando que há um critério e disciplina no sentido do apuro textual, algo que considero fundamental.

Tenho visto inúmeros textos de aspirantes a poetas que não se dão conta que a poesia é a mais perfeita das artes. Apresentam-me, na verdade, um rascunho. Mesmo alguns poetas ditos consagrados mostram--me textos sintaticamente imperfeitos e inçados de cacofonias – poesia é a redação mais elevada. Silvério sabe disto e passa a limpo várias vezes seu texto. Respeita e venera a redação de sua poesia. Por isso pode pôr conflitos no papel com efetividade...

Por isso é poeta.

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Que sabes tu dos frutos, das sementes,

da dureza das flores contra o vento?

A aurora vem tragar a noite espessa

de onde brotou, sem dores, o teu grito.

Se a afirmação do amor nos aborrece,

morrer é mera vocação dos vivos,

pois, no morrer de tudo, há um recomeço.

Não queiras mal ao tempo ou ao espanto;

não queiras mal ao grão, à terra escura...

Que sabes tu das trevas ou da carne?

Que sabes tu das noites, dos princípios?

Hoje, é chegado o tempo dos retornos,

e toda forma espera o seu ofício

como o vaso existente em todo barro.

11 DE SETEMBRO... HORROR, MEMÓRIA E POESIA

2011-09-09T12:26:00.006-03:00

Ccapitão América, arte do brasileiro Mike Deodato.
Fonte: http://irlandesmaluko.blogspot.com/2011/08/o-capitao-america-dos-quadrinhos.html

Passados quase 10 anos, as lembranças dos atentados de 11 de setembro ecoam em toda parte, seja como uma lembrança infeliz àqueles que, independentemente de partidos ou ideologias religiosas e políticas, não comungam com o uso da violência, seja ela aplicada a quaisquer fins, pois não existem justificativas para o injustificável, ou um insano alarde midiático para aqueles que acreditam que o ataque terrorista às Torres Gêmeas não passa de esquizofrenia moderna sem grande importância histórica.

Durante estas duas semanas, houve até quem me indagasse qual o maior atentado terrorista da história: se o ataque ao World Trade Center ou as explosões das bombas atômicas em Hiroshima e Nagazaki? Num belíssimo exemplo de quem é capaz de racionalizar e justificar assassinatos em nome de um sistema que muitos, à maneira de Fidel e Kim Jong-Il, ainda acreditam perfeito e aplicável, conseguem comparar a cabeça de um alfinete com o rabo de um hipopótamo.

Mas não sou um radical ideológico, um propagador do terrorismo revolucionário, muito menos um marxista. Interessam-me a discussão, as visões filosóficas, os ensinamentos éticos e morais e, claro, a poesia, que podem muito bem surgir e trazer beleza do caos e das incertezas, por isso seguem, aqui, duas visões deste acontecimento: a do artigo, O ressentimento e a memória, de Karleno Márcio Bocarro, publicado na revista de ensaios Dicta&Contradicta e o poema Sísifo, o fogo e as essências, de Florisvaldo Mattos, que faz parte de sua coletânea Poemas Reunidos e Inéditos.

Independentemente das conclusões que os leitores tomarão, é sempre bom lembrar que a História é feita de sujeitos... que, muitas vezes, não queriam entrar na história.

...

O RESSENTIMENTO E A MEMÓRIA

por Karleno Márcio Bocarro*

Goethe não compartilhou do entusiasmo com que Herder, Wieland, Klopstock e Schiller acolheram a Revolução Francesa. Acusado de conservador e inimigo da liberdade, defendeu, trinta e cinco anos mais tarde, para o amigo Eckermann, a sua posição: comoviam-lhe as vítimas do terror revolucionário, indignava-lhe o recurso à violência como solução aos problemas humanos. Além disso, os possíveis benefícios da Revolução não eram, na época, conclusivos. Para Goethe, os eventos humanos mudam de forma a cada 50 anos; o que é perfeito em 1800 pode encontrar-se, em 1850, em decomposição.

A cidade de Nova York recompõe-se rapidamente. Logo a Freedom Tower estará no local do principal alvo dos atentados de 11 de setembro, as Torres Gêmeas. A normalidade retorna, o mundo segue adiante, e os atentados terroristas não nos chocam mais. O evento histórico que inicia o nosso século parece precisar de datas comemorativas para ser relembrado. A literatura busca respostas: deixou-nos ele alguma lição, ou a sua interpretação encontra-se presa a concepções ressentidas de pensamento?

Para a escritora paquistanesa Kamila Shamsie, e o seu colega caribenho Caryl Phillips, falta na literatura, em especial a norte-americana, um grande romance que vá além dos eventos do 11 de setembro e discuta a prisão de Guantánamo, a guerra contra o terror, “sobre como aquilo tudo pode acontecer e se tornar algo dominante no governo dos Estados Unidos sem uma reação do povo” [sic]. Palavras que confirmam a filosofia de Richard Rorty. Para Rorty, as medidas do governo Bush contra o terror trariam a morte de instituições democráticas e o conformismo à população. Mas talvez precisemos, nós, os escritores, conceder um tempo maior (os 50 anos imaginados por Goethe?) aos nossos colegas norte-americanos para o romance que Shamsie e Philips tanto lhes cobram. Entre aqueles, porém, que ficam no 11 de setembro há sim excelentes romances, tanto europeus, como norte-americanos (infelizmente nenhum paquistanês ou caribenho): Sábado, de Ian McEwan, Die Habenichtse, de Katharina Hacker, Extremamente Alto & Incrivelmente Perto, de Jonathan Safran Foer, Terrorista, de John Updike, e O Homem em Queda, de Don DeLillo.

No ensaio, In the Ruins of the Future, publicado três meses após o 11 de setembro, DeLillo fala do mundo como uma narrativa que finda no pó e na destruição. Ao escritor cabe inventar uma contra-narrativa, a qual virá à tona como uma espécie de cura às dores abertas pelos erros da época. O escritor quer entender o 11 de setembro e suas consequências. Ainda é cedo? Além de nos faltar o tempo, a compreensão, como a cura, requer paciência. DeLillo, porém, adverte: nossas ideias, assim como o idioma, não podem separar-se do mundo que as provoca. É grande o risco de distorcermos a realidade. O escritor, segundo DeLillo, deve iniciar suas reflexões em meio a ruínas (das torres); ele imagina a ordem inicial aos ataques – o momento em que o Mal dá o primeiro sopro –, desespera-se com a exigência do tema, pois antes mesmo da Política, da História e da Filosofia há o espanto original: justifica-se a perversão terrorista?, e assume um compromisso com as vítimas. Pessoas caem das torres, algumas de mãos dadas… Esse compromisso com o sofrimento não é brincadeira de idiotas! A literatura faz então a contra-narrativa, une corpo e alma; indica que mesmo no caos convulsivo do aço e do concreto há espaços para a beleza humana, expressa nos gestos de sacrifício e esperança.

DeLillo precisou de mais seis anos para escrever um dos melhores romance sobre o 11 de Setembro, Homem em Queda. Seis anos de muito trabalho: esperar, escrever, corrigir, pensar… A tarefa nunca é fácil. No mesmo ensaio, DeLillo nos fala do terrorista: a vantagem que ele possui é uma força monstruosa. O terrorista conhece apenas uma ação; reduz o mundo a um só plano, o da destruição.

Ambiento o meu romance, As Almas que se Quebram no Chão, antes dos ataques de 11 de Setembro. A história, contudo, cobre o primeiro ataque ao World Trade Center, o de 26 de Fevereiro de 1993. Marco, o protagonista, uma personagem de caráter duvidoso, encontra-se no aeroporto de Berlim quando lê a manchete do atentado no El País, e comenta: “Castigo merecido! O que querem os americanos com torres gigantes rasgando o céu?’. Na mesma linha de raciocínio, Noam Chomsky, o grande linguista, numa série de entrevistas – publicada no Brasil com o título “11 de Setembro” – atribuiu aos Estados Unidos, com sua política externa intervencionista, a responsabilidade pelos atentados às Torres Gêmeas.

Para Marco, assim como para Chomsky, a preocupação não é com a dor e o pânico das vítima. Em relação à opinião dos escritores Shamsie e Philps, próximas a um anti-americanismo comum no meio intelectual, podemos responder com um conceito de Samuel P. Huntington, o “choque de civilizações”. As ideias encontram-se hoje contaminadas por um forte sentimento anti-ocidental e são seletivas com qual sofrimento devem identificar-se.

Talvez o mundo pouco tenha mudado desde os atentados de 11 de setembro. A violência e a estupidez permanecem. Mas nos consola a presença, na literatura, de escritores como Don DeLillo que nos ajuda a lembrar de suas vítimas.

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SÍSIFO, O FOGO E AS ESSÊNCIAS

aos mortos do World Trade Center de Nova York,

Terça-feira, 11 set. 2001.

por Florisvaldo Mattos**

Grandes e estranhos pensamentos
francamente trafegam pelas
rotundas da noite. Desperto
de longínquas esferas, ardo.
Propenso a inundar-me do ar da noite,
absorvo mapas de passado grávidos.

Só a noite, sim, me recupera os tendões
nervosos que me amarram a almejadas
glórias, as que me faziam anjo
pairando sobre mantos estelares
e, súbito, perdi. Tateio entre ventres,
entre seios, flores murchas de olor sugado.

Não estou nada feliz. No mar revolto
de sonhos desvanecidos, resta-me,
de meu posto, aguardar o êxtase tempestuoso.
Gêmeas torres sem alegrias, imponentes,
diáfanas: o orgulho traspassa constelações,
a enrijecer, petrificar corações em febre.

Tudo se parece com o mar: profundidade
e sobressalto. Outrora eram desertos,
fecundas areias de canto e idílio
nostálgicas. Ou, antes, com céu propício
a viagens, ao sopro de ventos perenes,
navegações de alma, semblantes nômades.

E, assim, marcho para a noite de estilhaços,
onde submerjo. Sobrevieram devastações.
Mal os pássaros acordavam, quando tudo
transmudou-se em frágua vertical, depois ruiu,
poeira e pedra no descambo caçando Sísifo,
solerte adubação, solo propenso a iras.

Ó pranto hereditário de Velho Oeste
sem anjos, fogo de revólveres pedagógicos,
terras (disseram) de glorioso fundamento.
Metralhadoras em noites de ritos fumegantes,
ó didático pragmatismo do aço, sangue e balas,
moedas de fel sobre relva de surdos passos!

Decididamente, perco-me entre grossas
cordilheiras de fumo, de caliça e ferro
retorcido; corpos de forma e cor nenhuma.
Decididamente, o caos se fez medo e escombros,
ante rostos atônitos, bocas empedernidas.
De novo Guernica? De novo Nagasaki?

Pássaros cegos descreveram linhas rubras
no céu da manhã, refletidas na água verde
do rio que segue indiferente destino
sob grandes pontes. No chão, decididamente,
em letras de cimento e alumínio, a mão do anjo
escreve: “Humanidade, vergonha é o teu nome.”

* Karleno Bocarro é escritor, autor de “As almas que se quebram no chão” (É Realizações, 2010) e de “O Advento” (no prelo). A fonte deste artigo é: http://www.dicta.com.br/especial-11-de-setembro-parte-3-o-ressentimento-e-a-memoria/#respond

** Florisvaldo Mattos é poeta, formado em direito, mas optou pelo jornalismo, atividade que exerce até o presente. Nos anos 60, integrou em Salvador o grupo da chamada Geração Mapa, liderado pelo cineasta Glauber Rocha. Entre suas obras publicadas, estão Reverdor (1965); Fábula Civil (1975); A Caligrafia do Soluço & Poesia Anterior (1996); e Mares Acontecidos (2000). Ele lança agora um ensaio, Travessia de Oásis – A Sensualidade na Poesia de Sosígenes Costa. Este poema pertence ao seu livro Poesia Reunida e Inéditos (São Paulo: Escrituras Editora, 2011.)

FLORISVALDO MATTOS: POETA DE MEMÓRIAS...

2011-09-01T12:07:00.003-03:00

Manhã de sábado. Rasgo um envelope que me destina o poeta Florisvaldo Mattos. Seu conteúdo não me é um mistério; sei que ali se encontra um exemplar de seu livro Poesia Reunida e Inéditos (Ed. Escrituras, 2010), mas isto não quer dizer que descobertas inumeráveis não se escondem de mim dentre essas páginas.

Abro-o, então. Começo a lê-lo e nada mais parece importar. O fim de semana me ajuda no degustar de cada palavra, cada verso, cada poema, sem que ninguém me interrompa, me atrapalhe ou me desconcentre. E, graças ao meu acaciano talento para perceber o óbvio, não demoro a descobrir que estou diante de um poeta cuja linguagem e ritmo particular fazem dele não só um dos maiores poetas baianos de sua geração, mas um poeta universal.

Florisvaldo Mattos é abrangente, sua poesia se cobre dos mais diversos temas, formas e dicções; seus versos, ao mesmo tempo diretos, sintetizadores, aspirando ao raciocínio filosófico, onde nada além do necessário se nos mostra, são também de uma leveza muito rara e de grande força lírica que, parecem-me, à primeira vista – como deveriam parecer aos admiradores de outrora –, o mais puro produto das musas, da magia ou coisa parecida... mas é irresponsável pensar assim, que uma coisa tão desejada e tão bem elaborada se realize magicamente. Não se espera de um poeta que produz versos desta qualidade nada menos que a severa vontade de prover seus melhores meios de execução, e provê-los bem. Florisvaldo sabe disso, sabe que o prazer estético é também um prazer da razão e que a lei da mais pura e verdadeira arte é a lei do Ne quid nimis, como afirmara Ortega y Gasset, por isso sua lírica se apóia numa distribuição mística, mas sem perder as rédeas da razão e das formas que lhe ajudarão em seu próprio entendimento, de maneiras a que se associam unidades de sentido de natureza extremamente complexas. Não é à toa que seus sonetos são o que de mais forte e verdadeiramente poéticos há em sua obra, garantindo a ele um lugar que se destina a poucos em nossa literatura; lugar onde se encontram também colegas seus de geração, como Ildásio Tavares, João Carlos Teixeira Gomes e Maria da Conceição Paranhos e que se juntam a nomes como Emílio Moura, Carlos Pena Filho, Reynaldo Valinho Alvarez; aproximando-se, conseqüentemente, dos melhores: os excepcionais Jorge de Lima e Bruno Tolentino.

Essa minha afirmação, no entanto, não descarta a destreza e acuidade de sentido que este poeta grapiúna empresta aos seus poemas livres – que de livres não têm absolutamente nada – nem àqueles que flertam com outras formas ou mesmo com a experimentação lírica – mal necessário, pelo que me parece, a todos os bardos que viram e viveram os anos 1960 e 1970. Mas é da própria natureza do soneto suprimir o supérfluo e o substituível em nome da beleza e sua perpetuidade, assim sendo, Florisvaldo Mattos pode muito bem buscar aquela “essencialidade da expressão verbal”, de que fala João Carlos Teixeira Gomes, na apresentação de Poesia Reunida e Inéditos, sem se preocupar demasiadamente com labor formalista, nem se entregar desgraçadamente aos transbordamentos líricos tão comuns aos nossos poetas, mesmo os que se acham em melhor prestação.

Se pensar é a maneira pela qual capturamos a realidade por meio de idéias, como dissera o autor de A Rebelião das Massas, o fazer poético é sem dúvidas uma maneira de construir realidades; o perseguir da verdade não pertence àqueles que fazem versos, se, ao fazê-los, criam ou recriam, os poetas, suas próprias verdades, seus próprios mundos para contê-los, para carregá-los... Florisvaldo sabe que um grande poeta precisa de tradição, precisa trazê-las consigo, expô-las, resumi-las, fazer com que se façam presentes em sua obra para, daí, esculpir o novo, o moderno, as formas renovadas de uma força e de uma essência que são sempre as mesmas ou estão sempre retornando ou se renovando, porque, diga-se de passagem, a poesia sempre foi, no melhor sentido do termo, cópia, roubo, apropriação indevida de cabedais, imitação – como já afirmava o bom e velho Aristóteles – de Homero a Bruno Tolentino ou de Hesíodo a Guimarães Rosa é assim, e a transubstanciação do mundo físico para um mundo de subjetividades – que é também cópia – como bem nos alertou o João Carlos Teixeira Gomes, não se faz valer com tanta perfeição em outras formas de arte como se faz através da poesia; e poucos são os poetas que a faz como realmente precisa ser feita. A consciência do poeta a respeito de seu papel no mundo, de sua missão – pois sem missão não há poeta – é o passo mais importante à maturidade tanto do homem quanto de sua obra e eu pude constatar que de Rio Remoto (primeiro poema, da primeira página, de seu primeiro livro) a Caminhos (até então, seus derradeiros versos) evidentemente (os títulos estão aí para provar que eu não estou mentindo) nos apresentam uma idéia de continuidade, de amadurecimento e de realização... da busca incansável, graças a Deus, da realização.

E, pelo que muito li, entendi, gostei e tomei para mim mesmo, vejo que Florisvaldo Mattos não se utiliza de maior recurso rumo ao seu crescimento poético que não o da Memória. Não importa se esta memória é puramente pessoal – como no soneto Água Preta – ou, quiçá, histórica – como nos épicos versos de A domação das pedras; se pertence a ele ou se emprestada de outros poetas e vultos, como em poemas como O Tempo, o Lugar ou Duas Almas. A memória funciona como o meio mais preciso de emulação de meios para que o poeta se atente ao tempo, compreenda-o, poetize-o e dele se faça livre, como afirmou, no pósfacio de Poesia Reunida e Inéditos, Alexei Bueno. E assim é, por exemplo, de seu Soneto do silêncio, de 1954:

Marca o silêncio, todo aroma e exílio,

uma incidência tal, terrena e vaga,
que inviolada ternura a brisa molda
de amadas que se foram sem retorno.

Da inconstância da neblina salta
quem o olhar esqueceu dentro do rio,
para não ver a sombra de quem ama
retornar ao caminho imprevisível.

Há uma coroa de cantos e astros leves,
sons e rumos previstos que se ocultam
sob o manto de angústia decisiva.

Há mesmo quem não saiba para onde
vai; no entanto sua alma, seu mistério,
no silêncio extra-humano deposita.

ao soneto Tempo Belo, de 2007, pertencente ao livro Decifração de Cristais:

Logo, fecho o caixão e fecho o tempo

das almas arbitrárias que vivi.
Amante e amado fui e conheci
a dor que é de meu tempo passatempo.

Rebenta, alma insensata, o teu passado
e vai por outras dores comezinhas;
segue por tua senda, a que caminhas,
rio em que tua margem é o outro lado.

Estás ausente em ti para o meu gesto,
simples estado neutro de passar,
de olhar, sentir e perceber funesto

e súbito negar da primavera,
mais que breve e raro, cumprimentar
o prazer de passar que a vida era.

e, entre um e outro, o belo exemplo de um soneto intitulado de Cegonhas em Trujilho:

Para sempre serás pranto e ruínas

guardadas pelas aves coniventes
que do inverno se lançam repentinas
a colher o que resta das sementes.

Mas ocultas o cerne entre resinas
de remoto sumir que já não sentes,
se o tempo desafias, se ruminas
o passado das coisas decadentes.

Antes que a fome das sagradas aves
a memória corrompa dos espelhos,
descerras conubial os sítios graves

a cavaleiros que manejam relhos,
flagelando-se em coágulos de ausência
junto aos muros que sangram resistência.

Não tenho medo ou se quer receio de afirmar que toda a poesia de Florisvaldo Mattos gira em torno da memória, mas não aquela memória ingênua e confessional de que até Drummond se serviu demasiadamente, mas duma memória que é também construção, mundo a pulsar e a se fazer em cada verso do poeta, porque os acontecimentos vividos são efêmeros, todavia o que é lembrado não tem limites, perpetua-se, pode mudar ou renova-se, e, pelo que se pode julgar dos sonetos acima, a memória, necessariamente, não se precisa explícita ou presente. O homem que recorda se compõe como ser poético, porque a memória está sempre a criar impressões que são ela e a não são ao mesmo tempo – palavras de Walter Benjamim.

Se a viajem é o tema mais recorrente na história da Literatura Universal, é a memória, por sua vez, o mais intenso e o que lhe renderá uma maior herança de expressões, formas e imagens. Fragmentário, cheio de falhas, impregnado de coisa passadas e do que se está vivendo, a memória constitui o principal recurso pelo qual o homem recorre para conferir significado às coisas, para reconhecer o que ali está e se constituir como sujeito tanto histórico como sujeito de si próprio. Esse poder construtor da memória, como afirma Henri Bergson, parte da proposição de que não existe percepção que não esteja impregnada de lembranças, e, nesse caso, “a nossa vivência do presente torna-se, então, um acúmulo de detalhes, soma de pormenores vividos que se agarram às imagens imediatas dos nossos sentidos”, que, tendo afinidade com o poético, infiltrar-se-á de ambigüidades, sobrepondo-se a outros sentidos que acabam por deteriorar o anterior.

Por fim, é nesse território de instabilidade, em que os saberes mais diversos consagram o que se chama conhecimento humano, que se ergue uma poesia tão agraciada pela beleza e pelo amor à verdade... comuns apenas aos grandes poetas e presentes nos versos de Florisvaldo Mattos.

Feira de Santana, agosto/setembro de 2011.

BALADA ANTIGA...

2011-08-18T14:22:00.002-03:00

Santo trovador de MIGUELEVY (2008), acrílico sobre tela 70x50cm, coleção particular.

Os caminhos estão descansando...

MÁRIO QUINTANA

– As tuas mãos, no adeus
morrem lentamente: dois pássaros
cansados de voar.

Eu, menino à janela
queria sempre as mesmas cenas
os meus heróis já derrotados
esquecidos...

De minha janela
via passar cavalos brancos
sozinhos
destituídos de seus donos
mas inda cheios
de natural nobreza.

Recordaste da velha casa onde nascemos?
E das escadas que desciam lentamente
para a sala de retratos
evanescidos
onde as moças de outros séculos
nos aguardavam
para um impossível reencontro?

Demoliram a nossa velha casa
onde já não havia nada...
só nós dois
talvez.

Pois se a luz não é deste mundo
assusta-nos toda beleza
há um horror em toda verdade
em toda poesia
em todo riso
se nos sorriem
sinceramente.

Quanta vida
quanta inquietude
existe
numa criança
que pergunta.
Talvez por isso
estejamos mortos
por nos fazermos
velhos
e sábios demais. Porque nos perdemos
nesta infinita distância da vida adulta
nesta eterna procura por sermos grandes: eis os nossos
caminhos
tão descansados
nossas estradas envelhecidas
nossos passos
ah, os nossos velhos passos...

Deus
quando éramos meninos
estava logo ali
e não se achava morto
ninguém
estava morto.

As estrelas estavam logo ali
(transfigurações dos que se foram)

e a vida... este estado presente

indicativo
“agora e pronto”!

E há mortos que não sabem que estão mortos
ou esqueceram
simplesmente
de que morreram
como as tuas mãos
irmãzinha
que
no adeus
já não revivem.

Alagoinhas, março de 2008/julho de 2011.

MOSTRA DIVERSIDADE...

2011-08-17T11:35:00.000-03:00

Mostra Diversidade

De 12 a 26 de agosto, no MAC

Horário: 18:30

Local: Museu de Arte Contemporânea -

Endereço: Rua Geminiano Costa, 255 (Vizinho à Biblioteca Municipal)

Informações: (75) 3223-7033

12 de agosto Minha Vida em Cor-de-Rosa

19 de agosto Go Fish

26 de agosto XXY

ENTRADA GRATUITA!

4ª FEIRA DO LIVRO DE FEIRA DE SANTANA...

2011-08-17T11:20:00.000-03:00

A consolidação de uma política pública de fomento e valorização da leitura será uma das vertentes da 4ª Feira do Livro. O evento, promovido em parceria entre entidades de Feira de Santana e de Salvador, será realizada no período de 16 a 21 de agosto, na Praça do Fórum de Feira de Santana e terá como tema Memórias e Esquecimentos: Leitur@s.

A Feira tem como objetivo geral mobilizar a comunidade feirense e da região circunvizinha para a importância da leitura como elemento facilitador da compreensão do mundo e da participação de cada ser na construção coletiva da cidadania. Espera-se, portanto, contribuir para articulação entre os diversos conhecimentos produzidos sobre leitura e formação do leitor.

A Feira do Livro nasceu do desejo de educadores em despertar os dirigentes de instâncias públicas, privadas e filantrópicas para a importância de implementar políticas públicas do livro e da leitura na sociedade e possibilitar o acesso de pessoas excluídas do universo da leitura e de atividades culturais.

O sonho de executar o evento se tornou realidade em 2008, graças à união de esforços da Universidade Estadual de Feira de Santana (Uefs), Arquidiocese de Feira de Santana, Secretaria da Educação do Estado (Direc-02), Secretaria Municipal de Educação, Serviço Social do Comércio de Feira de Santana (Sesc), Serviço Social da Indústria de Feira de Santana (Sesi), Serviço Social do Transporte / Serviço Nacional de Aprendizagem do Transporte (Sest/- Senat) e Fundação Pedro Calmon.

Além da exposição e venda de livros, a Feira terá vasta programação que envolve lançamento de livros; contação de histórias e de causos; conversa com o escritor; mesas redondas e palestras; seminário novas letras: outros novos autores; recitais; oficinas; teatro; música; exibição de filmes; biblioteca móvel; planetário – Observatório Antares; apresentação com fantoches; apresentação dos ganhadores do 4º Festival Anual da Canção Estudantil (Face) da Rede Estadual de Ensino; apresentação dos ganhadores do 3º Tempos de Arte Literária ( TAL) da Rede Estadual de Ensino; lançamento de editais de premiação pela Fundação Pedro Calmon; encontros de escritores, de cordelistas e de música.

Maiores informações: www.uefs.br/feiradolivro e pelos telefones (75) 3161-8154 ou 3161-8254 e da Pró-Reitoria de Extensão da Uefs.

SOSÍGENES COSTA E AS MUITAS CORES DO AGORA ...

2011-08-05T17:14:00.003-03:00

Juno Receber a cabeça de Argos, de Jacopo Amigoni , 1730-173, Óleo sobre tela, 108 x 72 cm

Moor Park, Rickmansworth, Hertfordshire.

aos amigos

Paulo Cruz, Karleno Márcio Bocarro,

Elpídio Mário Dantas Fonseca – incitando-os

a conhecer a poesia deste bardo belmontino-ilheense –;

para Gustavo Felicíssimo, Henrique Wagner

e Bernardo Linhares, pelo seu 51º aniversário.

...de verdes sauces hay uma espessura

toda hiedra revestida y plena...

GARCILASO

Todo grande artista almejou, um dia, a perfeição formal. E os pequenos também... E não há como negar que tal busca consiste numa das características mais essenciais de toda a história da literatura e das artes.

Do ponto de vista literário, tal objetivo torna-se muito mais profundo, além de, muitas vezes, constituir um problema mesmo em relação ao gênero, pelo facto de seu elemento primordial – a palavra – não ser de exclusividade dos romancistas, teatrólogos e, principalmente, dos poetas, como nos vem a parecer... de certa forma. Para resolver este problema, fez-se necessário uma inevitável distinção entre o falante comum da língua e os poetas, por exemplo, sendo que estes últimos, inúmeras vezes, preferiram cobrir-se com os mantos do apuro e do rigor expressivos. Este mal necessário, no entanto, não exige do poeta uma falsidade diante da língua, muito menos do leitor, em geral, como se tem feito ao longo de séculos, e, no caso brasileiro, principalmente, na transição dos séculos XIX e XX, por meio da incansável busca pela linguagem acurada e essencialmente erudita, que acabou se tornando motivo de afastamento do leitor comum, limitando, muitas vezes, a um pequeno grupo de quase filólogos, seu entendimento e apreciação.

O Modernismo – e, quando me refiro a Modernismo, procuro entendê-lo como um quadro geral que vai daqueles que nasceram sobre o entardecer de um decadentismo pós-romântico criando-se sobre o alvorecer enegrecido do realismo científico, como Euclides da Cunha e Augusto dos Anjos, ao cabedal simbólico de um Mário Quintana, de um Ariano Suassuna, e, evidentemente, de um João Cabral de Melo Neto – parece-me tentar, à sua maneira, resolver tamanha questão, entendendo e se fazendo entender que a linguagem é, obviamente, o instrumento pelo qual chegamos à literatura – bem como a toda arte – distinguindo-se do uso comum através de sua utilização diversa, que, por sua vez, centra-se em seu conteúdo, fazendo da linguagem um simples caminho para se chegar à arte literária, tirando dela, ao meu ver, a qualidade de “casa do ser”, que deve pertencer à apreensão estética e à perplexidade diante do mundo e das coisas que sempre traremos conosco e que nos encaminha à inquirição filosófica e à criação artística – ao contrário do que pensava Heidegger ao inverter, erroneamente, o pensamento platônico, o que, aliás, é de se estranhar, pois a estética, diga-se de passagem, é um tema muito estudado pelo grande filósofo alemão. O que sei é que graças aos muitos admiradores de seu pessimismo existencial tão desnecessário, os mesmos que não conseguiram ver que muito de sua dita análise ontofenomenológica nada mais é do que uma série de erros interpretativos, muitas vezes propositais, acobertados por um apuro de erudição lingüística que, parece-me, ter sido motivado e, conseqüentemente, influenciado, também, em muito, o mandarinato das questões estéticas e filosóficas entre os anos 20 e 50 do século XX, fazendo com que Heidegger se apropriasse indevidamente do título de maior filósofo do século passado o qual, sem dúvidas – pelo menos para mim – deveria ser de Husserl ou de Constantin Noica... mas, é claro, eu posso estar errado.

A linguagem – ninguém se esqueça disso – é, também, forma e, como forma, deve trabalhar em favor da idéia – do conteúdo – e não ao contrário. Assim sendo, a apreensão cotidiana, tão aproveitada pelos modernos, seja em sua linguagem mais próxima do coloquial, em seus versos mais despojados, ou na temática, aparentemente, mais despropositada, não constitui a essência da poesia moderna, mas a forma pela qual chegaremos a ela. Entre clássicos e modernos, a maneira como se encara ou se valoriza a linguagem os diferem, sem que um se torne clássico por isso, nem moderno por se negar ou se diferenciar da maneira de ver do outro. Estas questões, por sua vez, levam-me a refletir, obviamente, sobre o papel do Parnasianismo e do Simbolismo, em nossas Letras; ao tempo que me fazem recordar da poesia de bardo baiano – poeta de Belmonte, no Sul da Bahia: Sosígenes Costa.

Na poesia de Sosígenes, os dilemas formais do Parnasianismo, e as questões lingüísticas do Simbolismo, parecem se resolver através de sua escolha por um caminho aparentemente “simplório” no traçar de sua pena. Todavia, será, justamente, nesta “simplicidade”, que residirá um dos maiores problemas de toda a história da literatura. Este caminho foi o de trilhar pelos campos imprevisíveis da dimensão sensorial – o qual, para o leitor pouco preparado, ligá-lo-ía ao esteticismo simbolista –, conduzido pelo primor lingüístico – algo que, aos olhos de um leitor desavisado, pareceria fruto da poética e dos modelos parnasianos – e produzindo uma obra de raríssima beleza estética, por meio de um processo criativo onde o sensorial e o imagético fundir-se-ão numa das mais originais composições poéticas que a aurora do século passado nos proporcionou – algo que parecerá, a qualquer leitor, uma das maiores criações literárias de nosso Modernismo, bem como de toda a nossa literatura –, negando-se à artificialidade, ao apuro aparente e à afetação verbal, fazendo com que seus versos sejam lidos como poesia pura, desassociando-os, assim, de quaisquer idéias paralelas e, ao mesmo tempo, aproveitadoras e destruidoras dos grandes gênios, ao passo que se consolidam – e consolidarão, também, ao seu autor – entre os grandes exemplos do soneto moderno, que, aliás, não se encontram em Vinicius de Moraes, Mário Quintana e – Deus me livre e me guarde! – Glauco Matoso, mas, sim, em Carlos Pena Filho, em Emílio Moura e, evidentemente, em Jorge de Lima.

O grande problema dos parnasianos, bem como o dos simbolistas – mas não um problema de Sosígenes Costa – sempre me pareceu uma certa incapacidade, por eles mesmos criada, de um homem comum, cujo apuro lingüístico é-lhe uma barreira intransponível – mas este homem comum tem igual direito de apreciar a beleza que a poesia tem a oferecer a todos aqueles ávidos de saber e prazer –, de não comungar de seus virtuosismos estéticos, por, aparentemente, não lhe dizer respeito algum; terrível engano, pois o prazer que nos proporciona os melhores poemas estaria no reconhecimento de que, tanto o poeta quanto o escritor, partilham de igual natureza e é isso, estou certo, que cria em nós aquela supressão temporal que faz com que leiamos Safo com a mesma graça moderna com que lemos Hilda Hilst ou mesmo Adélia Prado.

A beleza não pode ser alheia a nenhum homem, muito menos se criar abismos, propositadamente, para que tamanho mal se faça, porque a beleza é a essência, também, da condição de homem, de ser consciente e inteligente, não se levando ao pé da letra, por exemplo, concepções como a dos versos de Baudelaire: Ô Beauté! monstre énorme, effrayant, ingénu! Si ton oeil, ton souris, ton pied, m'ouvrent la porte d'un Infini que j'aime et n'ai jamais connu?... diga-se, um dos grandes alicerces à poesia de Sosígenes Costa.

Na indiscutível e indissolúvel união “entre a idéia e a forma que a exprime, bem como da coisa e do símbolo que a apresenta”, como dirá Olívio Montenegro, em O Romance Brasileiro, reside o segredo e a vida de todas as criações artísticas. Toda idéia deve fazer-se entender por meio de palavras minuciosamente antecipadas. Mas nossos parnasianos e simbolistas pareciam desconhecer, em grande parte, tais vias de regras; e o rigor formal e a impessoalidade, que se quis como marcas destes movimentos literários entre nós, não se ligavam à nossa tradição demasiadamente romântica e ainda muito influenciada pelo lirismo lusitano, a não ser pela fortíssima influência que a “cultura afrancesada” exerceu em quase todos os campos de nossa antiga sociedade – que o diga a nossa Belle Époque –, que consistia muito mais numa prova de nossa domesticação a uma idéia de cultura e sofisticação que em quase nada nos dizia respeito, igualmente à própria cultura francesa, já que as prioridades que deveriam se cumprir, em nosso Parnasianismo – bem como em nosso Simbolismo –, também não diziam respeito, por assim dizer, às suas raízes originais. Além do mais, nossos parnasianos e simbolistas não se desvincularam de uma herança que os poupariam dos excessos exigidos pelos modelos europeus, ao tempo que esta mesma herança acabou por gerar os melhores versos de Bilac, bem como os de Cruz e Souza e Alphonsus de Guimaraens.

À medida que, em nossas Letras, a escola parnasiana amplia o seu campo de ação, principalmente com o máximo de negação de seus modelos europeus, a exemplo, também, dos simbolistas, acentuam-se traços romantizados (por assim dizer) que, ao invés de lhes render uma falsidade ou uma caricatura dos moldes franceses, acabam por lhes dar certa peculiaridade estética e lingüística. Não obstante, os poetas tendem a se apegarem demasiadamente ao rigor formal, principalmente os parnasianos, que vêem no formalismo uma espécie de elitismo que nos distanciará do grande público ao invés de constituir um meio pelo qual suas idéias deveriam se propagar. Desta maneira, muito mais pela forma que pelas idéias, as quais a forma deveria servir, o Parnasianismo constitui-se em um de nossos mais inexoráveis exemplos de fuga da realidade e, muitas vezes, de bom senso. Tal despautério era mais uma pequena parte do imenso mundo idealizado e passadista que ainda se constituía em nossa sociedade em fins do século retrasado. Este erro literário só seria corrigido pelos poetas e romancistas de 1930. Até lá, uma “ditadura” do formalismo constituir-se-ia em um padrão e numa praga em nosso meio literário e intelectual.

Com o Simbolismo a coisa não é menos problemática, pois o movimento, tão importante à literatura européia, de onde tantos nomes da literatura moderna provieram ou demonstraram profunda paixão e cumplicidade, sempre foi visto por muitos de nós – ou pelo menos os de sua época – como algo estranho e até mesmo exótico, principalmente a uma literatura que, não tardaria, formularia seus primeiros passos à apreensão se uma realidade nacional, muito mais exótica do que as flechas e o cocar de Peri ou a cútis branquelona da escrava Isaura, algo que, para Andrade Muricy, em Panorama do Movimento Simbolista no Brasil, não passa de um “corpo estranho”, uma “excrescência exótica no conjunto de nossas Letras”. Por isso, o Simbolismo brasileiro nunca foi muita coisa além de um empréstimo gratuito e, por vezes, alienado, com os pés e as mãos a bater na tola e inútil tentativa de alçar um vôo impossível e mortal à semelhança de uma Ismália, a mergulhar sobre um reflexo longínquo julgando-o ser a própria Lua. As grandes virtudes do simbolismo brasileiro, no entanto, descobri-las-ão não seus contemporâneos, a exceção de Augusto dos Anjos, mas por uma geração modernista que soube muito bem aproveitar a sua própria herança e lhe dar características realmente novas, sinceras e peculiares, como foi o caso de Cecília Meireles, e os já citados, aqui, Vinícius de Moraes e Mário Quintana, por exemplo.

No ponto de encontro entre estes dois movimentos tão antagônicos, encontram-se, mais diretamente, dois poetas demasiadamente originais, cujo legado formal e sensorial de ambos, livrá-los-ia da idéia de poesia obscura, compreensível a uma parca minoria, que se recusava às sensações elementares em nome de um culto à forma meramente dita e aos malabarismos sem fundamento ou conteúdo. São estes: Augusto dos Anjos – de quem já tive o prazer de falar noutra oportunidade e cuja concentração no conteúdo independentemente de sua linguagem alardeadamente cientificista e demasiadamente metafórica, que em nada contribui para nos privar daquele prisma que a perplexidade direciona aos nossos olhos, tornou-o “popular” ou, pelo menos, provocante ao nosso pasmo ante à sua imensa prioridade poética, apesar das excentricidades das quais sempre foi acusado – e Sosígenes Costa.

Vivendo vida adulta de 1900 até a sua morte, em 1914, Augusto dos Anjos coexistiu com os mais diferentes estilos literários e, respectivamente, com escritores que, além de se integrarem a estes estilos, levaram consigo uma cultura erudita de massa e seus rudimentos, como Aluísio Azevedo, que morre em 1913; Inglês de Souza, morto em 1919; Machado de Assis e Arthur Azevedo, falecidos em 1908 para citar realistas e naturalistas; além de poetas parnasianos, simbolistas, seus colegas, por assim dizer, pré-modernistas, e outros, como Coelho Neto, morto em 1934; Alberto de Oliveira, 1937; Raimundo Correia, 1911; Olavo Bilac, em 1918; Joaquim Nabuco (este, ainda, um romântico, no melhor sentido do termo), em 1910; Rui Barbosa, em 1923 e, claro, Euclides da Cunha, em 1909. Sobre Augusto dos Anjos, Ferreira Gullar, entre muitos, aponta-nos o caráter inovador – modernista – da poesia do bardo paraibano: é quando ela rompe com as muitas conveniências verbais e sociais da época, levando, o Augusto dos Anjos, a uma mescla perfeita entre a beleza e o asco, entre os momentos sublimes e toda a sujeira da vida, sem contar certo prosaísmo, que triunfa sobre a rígida linguagem de seus sonetos... isto é ser ou não ser modernista?

Ao contrário do bardo paraibano, que via na ciência e na própria história do homem, um meio de se chegar ao belo e à construção de uma arte demasiadamente sincera, o poeta baiano, nascido sob a decadência de nosso eruditismo mais secular e aascenção de um modernismo errôneo promovido pelos paulista de 1922, constituiu sua arte e buscou a beleza através da percepção sensorial e da idéia de “poesia pura” que o Parnasianismo (e seus prosélitos) e os Simbolistas (de posse de um cabedal parnasiano) lhe deram. Sem se prender, demasiadamente, à realidade, nem às suas formas mais frias e degradantes, como o poeta do Eu, Sosígenes Costa não se permite a uma interpretação do real por meio de uma idealização – pelo menos eu não a vejo assim – das coisas, mas uma “descortinação” de suas camadas mais cruas, criando uma poesia que se origina, única e exclusivamente, da força contemplativa, do olhar admirado, do espanto diante da beleza das coisas na maneira mesma com que estas se apresentam ao poeta, bem como a todos nós.

A poesia de Sosígenes Costa é a poesia da contemplação, de quem traz uma espécie de amor ao belo, presentes nas coisas tangíveis e imediatas, e ao imagético, não por ser poeta – simplesmente – mas por amar demasiadamente, embora somente na condição de poeta – e poeta dos melhores –, é-lhe possível atribuir, ao mesmo tempo, tamanha simplicidade temática e força versânica, como, bem mais tarde, o fará Bernardo Linhares (outro poeta baiano), na primeira parte de seu livro As Flores do Ocaso. Ambos farão de sua poesia uma celebração constante das formas, das cores, da natureza e da ação propriamente dita do contemplar... (e, aqui, eu parafraseio as palavras de Henrique Wagner, no prefácio do livro de Bernardo). Olhem só o caso de Sosígenes Costa:

Resplandece o crepúsculo de jade,
de turquesa, de opala e cornalinas.
Pelos céus há pavões.Toda a cidade
é lilás com repuxos de anilinas.

As aves cor de gesso, à claridade
do acaso, ficam quase solferinas.
A cor douradas agora tudo invade,
tornando as passifloras ambarinas.

A natureza cintilante e amena
sardanapalescamente se decora,
brilhando mais que as asas da falena.

Todo o horizonte de lilás se enflora.
Traja galas de príncipe a açucena.
Não parece o poente mas a aurora

Agora, o de Bernardo Linhares:

Tecendo e penetrando a nova aurora,
a lua nova agora devaneia.
Além da vela, vibra a flor da flora.

O azul cavalga o dorso da sereia.

Nascendo rosa toda passiflora,
clareia o amarelo e o azul semeia
seus tons, seus entretons, fazendo a hora;
e o azul cavalga o dorso da sereia.

No verde, coroada por gaivotas,
a lua nova permanece acesa.
Feliz, a flor do mar dá cambalhotas

mostrando sobre as asas seu sorriso.
A vida segue a trilha da beleza
do azul que faz de tudo um paraíso.

Tendo como ponto de partida “a rápida visão, a captação imediata do momento, à maneira de um impressionista do verso, transformando-o em poesia”, como bem acentuou Celina Scheinowitz, em O Cromatismo poético: os Sonetos Pavônicos de Sosígenes Costa, numa profusão de imagens sensoriais, para onde o pessimismo e o sofrimento típicos do existencialismo ateu não têm voz nem vez, abrindo-se, cromaticamente, a uma percepção viva das coisas, onde só os sentidos perecem interessar quanto mais mesclados possam parecer, ou, como melhor acentuou Florisvaldo Mattos, em Travessia de Oásis: a sensualidade na poesia de Sosígenes Costa, prolifera, na poesia do bardo baiano, “um portento trânsito de percepções, determinado pelo entrelaçamento dos sentidos, facultando múltiplas combinações que dão suporte a imagens encarnadas de transmitir o conteúdo de um fato acontecido na ordem natural ou pessoal”. Este suporte imagético, entretanto, é fruto muito mais do ritmo, da musicalidade e da força moldável de sua métrica do que de seu gosto sensorial.

Esta musicalidade, presente em sua poesia, em certos pontos, parece-me servir de meio para arrancar, de seu leitor, a atenção mais acurada e meramente racional, que, entre tantas coisas, roubaria, a seus versos, esta extravagante contemplação do instantâneo, na qual toda a sua obra, principalmente a mais madura, fundamenta-se, e, sem sombra de dúvidas, donde consegue extrair originalidade e beleza da mais excessiva abstração, graças a um domínio muito pessoal sobre a palavra, numa intuição particularmente sensível dos efeitos cromáticos, rítmicos e musicais, encontrando maior representação somente, entre seus contemporâneos, nos sonetos, de Carlos Pena Filho, como neste, do poeta pernambucano, que se segue:

Entro em teu breve instante, onde os minutos
são três pássaros líquidos e enormes
e contemplo os gelados aquedutos
guardiões do silêncio, enquanto dormes.

Pouso a cabeça nos teus lábios sujos
de mundo e de tempo, e vejo que possuis
em teus seios, dois bêbados marujos
desesperados, sós, raros, azuis.

Enfim, além (no além de tuas pernas
onde Deus repousou a sua face
cansado de inventar coisas eternas)

desvendo ao desespero de quem passe

a rosa que és, a mística e sombria,

a noturna e serena rosa fria.

Porém, esta proximidade com Carlos Pena Filho, dar-se-á, também, no campo da influência que a estética de Marllamé e Paul Válery exercerá tanto em um quanto noutro. Esta influência da poesie pure garante a Sosígenes Costa uma ordenação lingüística e uma rítmica do verso que se farão necessárias à menor compreensão que se possa fazer de sua poesia, a qual, aliás, dispunha de um conjunto de instrumentos poéticos e verbais de primeira grandeza, essenciais ao seu trabalho de poeta, ao mesmo tempo, que afirmava a “modernização” de sua linguagem, bem como a inovadora visão de mundo que se alinhava à sua sensibilidade formal e musical, no mesmo instante que se fazia valer as influências de uma visão, por assim dizer, passadista, fazendo-o se diluir nos sistemas expressivos de autores do passado que lhe serviam de base para que pudesse, antagonicamente, andar com as suas próprias pernas. Não obstante, é na busca de uma modernidade – e não na afirmação da forma ou nos valores dos grandes mestres do passado – que reside os grandes versos de Sosígenes Costa, pois, ao experimentar demasiados caminhos, também percorridos por seus contemporâneos modernistas, fez com que nem tudo que escrevia fosse realmente digno de publicação e, para falar a verdade, quando, voluntariamente, afasta-se da ordem, da música e do exotismo de seus sonetos, atirou-se, propositadamente, num abismo de artificialismos e de excessos esquemáticos que transformaram sua poesia “moderna” em algo muito mais falso do que os ortodoxismos parnasianos que o antecederam, fazendo com que exista muito mais riqueza de pensamento e perfeição artesanal – num rigor que fornece um modelo exato de força e beleza – num Vaso Grego, de Alberto de Oliveira, do que em suas Cantigas de Romãozinho. Fora do campo do soneto, a poesia de Sosígenes Costa é mera idéia sem prática ou significado pleno, fazendo-o cometer os mesmos erros de Jorge de Lima, em Poemas Negros, e com que seu Iararana seja, à maneira de um Macunaíma, de Mário de Andrade, uma obra-prima que não saiu uma obra-prima.

Voltando à pátria do soneto, de onde jamais deveria ter saído, e, de onde o seu senso de melodia não transpõe o inventivo, a sua poesia sensorial – e, entre tantos sentidos, o da visão é o que está acima de todos – mergulhamos de cabeça no mundo das cores, cuja função de potência simbólica, para um aprofundamento psicológico mais apurado, remete-nos imediatamente a um mundo de instantâneos, de onde se liberam uma profusão de forças interiores que nos conduzirão aos mais diferentes níveis ópticos, donde o poeta se submete a um círculo mágico de efeitos poéticos que ele próprio cria para lhe conferir o máximo de expressão melódica e engenho lingüístico. Assim sendo, a poesie pure é, realmente, uma meta em prioritária em toda a sua obra e, ao mesmo tempo, a primeira de suas muitas características a serem negadas, pelo muito que tenho visto e lido, pela grande maioria de seus críticos que querem enxergar, em Sosígenes Costa, algo como um poeta para além de sua poesia, para além dos elementos primordiais de seus versos, para além do contexto sócio-cultural ao qual se inserira. Porém, ao menos que quem o esteja lendo seja um completo idiota, a sua poesia não é uma poesia para fora da plasticidade... algo, aliás, que não caracteriza, pelo menos para mim, nenhum problema.

Em sua poesia, e, principalmente, em seus sonetos, a plasticidade se impõe de maneira primordial por não haver quase nada que se contextualize fora deste universo plástico, desta revelação que lhe fazem o agora, e a perplexidade advinda do imediato. Esta plasticidade não pode, e nem deve, passar desapercebida nem ao analista literário nem, muito menos, ao leitor ávido por admirar. Do contrário, vejam este belo Soneto ao Anjo, de 1930:

Por tua causa o meu jardim fechou-se

às mulheres que vinham buscar lírios,

quando o poente cor-de-rosa e doce

punha pavões nos capitéis assírios.

Teu beijo como um pássaro me trouxe

o mais azul de todos os delírios.

Por tua causa o meu jardim fechou-se

às mulheres que vinham buscar lírios.

Só tu agora colhes azaléia

e os cintilantes cachos da azuréia,

mágica flor que em meu jardim nasceu.

Só tu verás os lírios cor da aurora.

Meu pavão dormirá contigo agora

e o meu jardim dourado agora é teu.

A precisão expressiva, na poesia de Sosígenes Costa, é tão instantânea quanto o seu gosto pela captação e apreensão do imediato. Mas tal precisão, em seus Sonetos Pavônicos, vai muito além da mera precisão artística e nem parece atingir um estado puro de beleza onírica, o qual, aliás, confere-lhe ainda mais a força plástica e sensorial de seus versos, registrando momentos e – por que não? – realidades sensíveis à percepção de seus leitores, bem como dos mundos paralelos e inventivos. A sua poesia, apresentar-se-nos-á como uma poética tanto da ordem quanto da desordem, tanto do espanto e da denúncia, quanto da vontade de desvendar seu universo plástico e a eminência dos corpos físicos transformados em palavras. Em Sosígenes, as “emoções e estados de espírito ganham saber e palpabilidade, como que beneficiários de uma lição natural, materializam-se em campo propício a reconfigurações”, como dirá Florisvaldo Mattos.

***

Retornar às velhas formas, abraçar novas – sobre o gosto de estímulos dentro e fora do campo artístico –, reinventá-las, alinhavá-las e misturá-las, para muitos pode parecer um serviço, uma obrigação óbvia e simplista, mas, no caso de Sosígenes Costa – e, diga-se, um caso raro – tudo parece caminhar para um estado natural de coisas, de onde o mais puro, o mais simples e o menos imageticamente sentido, ainda que poeticamente e demasiadamente elaborado, revela-se importante, por mais que se nos mostre puro, livre e auto-suficiente. Como acontece a qualquer grande poeta, a obra de Sosígenes Costa caracteriza-se, antes de tudo, pelo domínio técnico em seu campo de expressivo e formal, porque a grande realização, e a grande peculiaridade da poesia, como afirmará César Leal, não é alguém emocionar-se com o pôr do sol, mas a de possuir capacidade técnica “para erguer uma estrutura lingüística a partir da emoção que tal fenômeno possa produzir em nosso espírito”.

O autor de Os cavaleiros de Júpiter pensava em Emílio Moura quando escreveu esta paráfrase de Gautier. No entanto, isso não significa que tais palavras não se apliquem – e, talvez, bem melhor – a Sosígenes Costa, que, entre nós, baianos, realizou, também, um milagre poético que só a poesia grapiúna – aquela que, segundo Gustavo Felicíssimo, nos deu, tratando-se da Bahia, a melhor poesia do século XX, e, em termos de Brasil, um dos nossos maiores poetas – poderia nos conceder.

Candeias, numa ensolarada tarde de inverno,

aos 25 dias do mês de julho, de 2011.